Top 100 bản nhạc dance 2022 năm 2022

Khi chúng tôi xuất bản bản lặp gốc của danh sách này vào năm 2006, nhạc khiêu vũ đã bị đẩy mạnh dưới lòng đất, xuống hạng vào các đài phát thanh và các đài phát thanh thích hợp đang ngày càng kết hợp hip-hop vào danh sách phát của họ. Tất nhiên, hip-hop có thể được truy tìm trực tiếp trở lại Funk và vũ trường của thập niên 70, và nguồn gốc của điệu nhảy bắt nguồn từ nhạc đen, một vòng tròn mà không thể loại bỏ. Nhưng chúng tôi than thở về cái chết chậm chạp rõ ràng của sự nổi tiếng của nhạc khiêu vũ trong khi giữ hy vọng cho sự hồi sinh không thể tránh khỏi của nó.

Hãy cẩn thận những gì bạn mong muốn. Chỉ vài năm sau, EDM bùng nổ, với các nghệ sĩ như David Guetta thống trị đài phát thanh pop với những vụ nổ Garish quan tâm đến việc dồn bạn vào việc đệ trình hơn là dụ dỗ bạn đến sàn nhảy. Tuy nhiên, nhiều hơn một vài viên đá quý nổi lên từ sự vội vã, bao gồm một số ít các tác phẩm kinh điển tức thì: Robyn xông vào điệu nhảy của riêng tôi, Hồi Rihanna và Calvin Harris, chúng tôi đã tìm thấy tình yêu, Hồi và Hercules và tình yêu của họ.

Cuối cùng, bong bóng EDM vỡ, nhưng nhạc khiêu vũ dường như đang nổi lên một lần nữa, với những cú ném vũ trường như Dua Lipa's Don't Start Now và Doja Cat's Say Say Say Bump và mài lên đỉnh của bảng xếp hạng . Vì vậy, thật mỉa mai khi Billboard tạm dừng xuất bản câu lạc bộ của mình lần đầu tiên sau gần 50 năm do đại dịch coronavirus. Bây giờ có vẻ như là thời điểm hoàn hảo để loại bỏ những người chơi thu âm của chúng tôi và ăn mừng sự bền bỉ đó của các thể loại, ngay cả khi nó chỉ là sự riêng tư của chính ngôi nhà của chúng ta.

Chúng tôi đã thêm các bài hát, cả cũ và mới, nhưng chúng tôi cũng đã làm rung chuyển toàn bộ danh sách để phản ánh hương vị phát triển cũng như độ bền của một số bài hát so với các bài hát khác. Vì vậy, làm mờ tất cả các đèn, bơm lên âm lượng và tham gia với chúng tôi khi chúng tôi tưởng tượng ra một tương lai nơi chúng tôi đã giành chiến thắng khi tự nhảy. Sal Cinquemani

Biên tập viên Lưu ý: Phiên bản gốc của danh sách này, được xuất bản vào ngày 30 tháng 1 năm 2006, có thể được tìm thấy độc quyền trên trang Patreon của chúng tôi. The original version of this list, published on January 30, 2006, can be found exclusively on our Patreon page.

100. Yarbrough & Peoples, Hồi Don Stop The Music (1980)

Được ghi lại bởi những người yêu thời thơ ấu trên đỉnh cao đưa cả sự nghiệp và cuộc sống tình yêu của họ lên một tầm cao mới, Calvin Yarbrough và Alisa Peoples, một trong những người khác, có lẽ là một nhóm hôn nhân, những lời thề hôn nhân nhất từng được bảo tồn trên vinyl. Các bài hát tình yêu trang nhã của Ashford và Simpson trông có vẻ so sánh với Milquetoast, đó là một synth-gritty, bơm chậm với một bassline đi bộ không có nhiều thanh chống Rửa tổng hợp ướt át nghe có vẻ giống như một cơn máu vội vã. Bởi vì không có cuộc hôn nhân nào có thể duy trì loại động lực tình dục này mãi mãi, bài hát thậm chí còn đi kèm với thiết bị tránh thai của riêng nó: những giọng nói của chipmunk khó chịu (có thể là tinh trùng hoặc những chiếc rugrats kết quả) làm gián đoạn mỗi lần nghỉ với bạn mà bạn thực sự muốn dừng lại? NOOOOOOO! Eric Henderson

99. Stacey Q, Hai trong số những trái tim (1986)

Madonna Copycat Stacey Qiêu Hồi Hai trong số những trái tim là một phản ứng vui vẻ, Hi-NRG đối với cô gái vật chất. Madonna nói, thì Don Don đã đưa tôi ra/vì tôi đã bốc cháy/Và tôi có thể dập tắt ham muốn của mình. Stacey nói, cơ thể của tôi đang cháy/vì vậy hãy chú ý đến mong muốn của tôi. Cả hai bài hát đều không được trao quyền, ít nhất là theo nghĩa là Madonna và Stacey Q đã không phát hiện ra thủ dâm như Cyndi Lauper đã có trên trên BOP, nhưng ít hơn và nhiều hơn và tình yêu của tôi Stacey Q đã đánh bại Madonna , nói với chúng tôi rằng cô ấy đang cháy nhu cầu của cô ấy đang gục xuống trong những từ vô cùng ít hơn. Tôi vẫn không biết nếu chúng ta ở bên nhau, nó giống như những than nóng trong lửa, là một lời bài hát ngu ngốc nhất mọi thời đại, nhưng hai trái tim . Ed Gonzalez

98. Xây dựng đồng thau, Hồi Movin (1975)

Một trong những nhà soạn nhạc của nhà soạn nhạc Guyanan Randy Muller của các đường ray tập trung vào tàu hỏa (anh ấy cũng là người đứng sau sự sắp xếp chuỗi của B.T. Chạy trốn đầu máy. Muller cho phép ban nhạc của mình kết hợp với nhau hành động tăng của Jam công nghiệp với sự chuyên nghiệp cổ áo xanh, giữ một tai về các hiệu ứng sản xuất hay thay đổi: bộ gõ gõ gợi ý âm thanh của đồng xu dưới bánh xe thép, autoharp glissandos thế giới khác và một xu hướng, sắp xếp chuỗi. Và chỉ có khoảng một dòng và một nửa lời bài hát giữ bài hát lại với nhau, nhưng cách họ giữ lại một cách quỷ quyệt trên "Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon Gon gon tinh nghịch nghịch ngợm. Henderson

97. Lisette Melendez, “Together Forever” (1991)

What better way to convey Latin freestyle’s telenovela-esque big, broad emotions than with a big, broad stream of clichés? (“Together forever, yours/Together forever, mine/Facing what we feel inside/Ready to stand the test of time,” goes the chorus.) It’s delivered by East Harlem native Lisette Melendez, whose nasal voice wasn’t nearly as heinous or happily off-key as many of her peers (here’s lookin’ at you, Lil’ Suzy). “Together Forever” helped indoctrinate freestyle’s new-school revision; by 1991, it was more rhythmically layered and complex than it was during its early days of tone-deaf melodies over electro beats. Producer Carlos Berrios would go on to recycle this style for the likes of Corina (in her inferior but infinitely more popular “Temptation”) and Jammy (in “Walk Away”—if you aren’t from Jersey, you can’t be faulted for not knowing that one), but Melendez’s bond with this beat is eternal. Rich Juzwiak

96. Lime, “Babe, We’re Gonna Love Tonight” (1982)

The hi-NRG “Babe, We’re Gonna Love Tonight” is all tease. Its infectious intro melody suggests a na-na-na-na-na-na schoolyard taunt, and every subsequent beat ladled on top evokes a teasing tickle or poke. With her giddy, Minnie Riperton-esque vocal, Joy Dorris gets to play out a shy creature pulling away from busy hands. It sounds ridiculous, but it seems like the only reasonable response to Chris Marsh’s at once earnest but disconcerting bullfrog-in-the-throat come-ons. Gonzalez

95. Sounds of Blackness, “The Pressure Pt. 1 (Classic 12” Mix)” (1991)

R&B’s gospel influence is so vast, it barely needs explaining. Because so much of house is derived from disco, which itself came from soul, the combination of full-on gospel elements (gigantic choirs, never-ceasing organs, Jesus praisin’) with house seems like a no-brainer. Jimmy Jam and Terry Lewis didn’t get that the first time around (they serviced “The Pressure” with a new jack swing production), but that’s okay—the late Frankie Knuckles was more than capable of doing the job. Outfitting the 40-person choir’s caterwauls with a frenetic bassline, giant four-on-the-floor beats and hip-house rattling, Knuckles could have blown the stained glass out of a church and make it seem like an act of God. Juzwiak

94. Bedrock featuring KYO, “For What You Dream Of” (1993)

A grandiose, perpetually oscillating stream of synthesized sounds and thumping bass, Bedrock’s prog house anthem “For What You Dream Of” is impressive not only for its many unpredictable ups and downs but also for the sheer force of its soulful vocal (by ex-Staxx of Joy singer Carol Lemming, appearing here as KYO), which posits dance as a form of spiritual healing. It sounds as if John Digweed and Nick Muir haven’t left a single button on their synthesizers unpressed, but “For What You Dream Of” scarcely feels synthetic. Gonzalez

93. Underworld, “Born Slippy .NUXX” (1995)

Who’s that boy? He’s dirty and numb but also capable of angelic poses. He’s also terribly fond of lager, chemicals, and blondes. Sounds a bit like the libidinous bugger Ewan McGregor played in Danny Boyle’s Trainspotting, the film that made this dark, long, chest-puffing techno anthem ubiquitous for a hot second back in 1996. Like Benton’s craving for smack, the beats are frantic, dizzying, ravenous, even pained, rippling outward like ginormous waves or cascading ribbons made of steel, grasping for the sort of ecstasy that seems to only come with absolute annihilation. Such is the gnarliness of Underworld’s music. Gonzalez

92. Inner City, “Good Life” (1989)

Before techno was “techno” (thanks to Juan Atkins’s sci-fi theorizing and subsequent dubbing), it was known as Detroit house, and before house was house, it was disco. But if distinctions were made to be blurred, consider Kevin Saunderson a supreme smear on the dance music landscape. Inner City’s “Good Life” clanks like techno, pumps like house, and features disco diva vocals from Paris Grey. “Let me take you to a place you know you wanna go/It’s a good life,” she belts, creating the clearest picture of dance floor halcyon since Chic sang about 54 and its roller skates, roller skates. The good times emanating from the track landed it on Top 40 stations around the country, giving all involved a tangible taste of the real live good life. Juzwiak

91. Beyoncé featuring Jay-Z, “Crazy In Love” (2003)

Beyoncé’s simultaneously calculated and fresh “Crazy In Love” made producer Rich Harrison the go-to boy for urban crossover success in the mid-aughts. Harrison composed similar-sounding tracks for the likes of Jennifer Lopez and protégé Amerie but failed to match the across-the-board sensation that was Bey’s breakout solo smash. A slice of retro-stylized ’70s funkadelia including a show-stopping guest spot by then-DL boyfriend Jay-Z, a horn-y Chi-Lites sample, some go-go-influenced breakbeats, a proud, bottom-heavy, hip-pop posterior, and a hook so infectious that it permanently branded “diva” to the singer’s, uh, résumé, the song positioned the curvy bottle blonde as an MTV-generation Tina Turner. Temporary insanity never tasted so sweet. Cinquemani

90. Run-DMC vs. Jason Nevins, “It’s Like That” (1997)

Don’t be fooled by the slick bassline of mixmaster Jason Nevins’s awesome 1997 remix of “It’s Like That,” which doesn’t try to disguise Run-DMC’s blunt, bracingly honest polemic about black disillusionment. The original song’s sarcasm was coded in its spare design, but its effrontery was still palpable. It was an anthem blacks and the racially enlightened could all rally behind. (One wonders where modern rap and hip-hop would be had the song never been released.) Nevins updates the sound but doesn’t allow us to lose sight of Run-DMC’s embittered lyrics. The new sound gives the brutal discontent of 1983 a changing-times context, making the original’s disdain accessible to a new generation—if mostly to hipsters and ravers. It’s more danceable but still every bit as confrontational. Gonzalez

89. Cathy Dennis, “Touch Me (All Night Long)” (1991)

It’s ironic that a singer who carved out a second act for herself by writing iconic hits for other artists, including Britney Spears’s “Toxic” and Kylie Minogue’s “Can’t Get You Out of My Head,” initially made a name for herself with someone else’s song. But Cathy Dennis made Fonda Rae’s disco trifle “Touch Me (All Night Long)” her own by completely rewriting the song’s throwaway verses, imbuing a fleeting physical connection with the weight of manifest destiny. DJ extraordinaire Shep Pettibone likewise put his signature on the track by amping up the melodic hook and distinctive Roland 909 house beats, propelling it into the stratosphere of early-’90s house-pop. Cinquemani

88. Jody Watley, “Looking for a New Love” (1987)

“Looking for a Love” was the first in a long line of hits for former Soul Train dancer and Shalamar vocalist Jody Watley, who, by the end of the ’80s, seemed poised to join the same league as dance-pop icons like Madonna and Janet Jackson. Like the latter, Watley aligned herself with a Prince cohort, Revolution bassist Andre Cymone, who whipped up some of the most defining dance-pop confections of the era for his muse. “Looking for a New Love” features jazzy piano, a portentous synthesized whistle, and Watley’s original stark 8-track demo vocal—“Hasta la vista, baby” was a calm, cool and collected sayonara long before it got cheesed up by the Terminator himself. Watley’s follow-up, “Don’t You Want Me,” might be more danceable, but it’s nowhere near as iconic. Cinquemani

87. Metro Area, “Miura” (2001)

Metro Area’s foot-thumper “Miura” is nothing if not all-inclusive, ladling economical spoonfuls of tribal beats, Latin drums and funk grooves across what may be the hottest eight-minute bassline in the world. It was released in 2001, when all eyes were on Moroder for dance revivalism. Morgan Geist and Darshan Jesrani, instead, chose to infuse their techno sensibility with disco strings and boogie keyboards, providing a much-needed alternative to electroclash. Others tried to convince us that what they were doing was new (even if “new” meant “injected with irony”), but the sound-for-sound’s-sake craftsmanship on this and virtually every other Metro Area offering bespoke a love for its source material so profound that it wasn’t afraid to make its throwback nature blatant. Juzwiak

86. Hercules and Love Affair, “Blind” (2008)

DJ and once-Butt magazine model Andrew Butler’s Hercules and Love Affair outfit paid poignant homage to the queer man’s feelings of yearning, wish fulfillment, and survival on their sensual, vaporous, and bittersweet self-titled debut album. A fabulous experiment at looking at the present from some kind of beyond, their splendiferous “Blind” was like a post-mortem address by “Queen of Disco” Sylvester, reminiscing on libertine days gone by through the gender-bending voice of Antony Hegarty. A groovilicious, undulating foot-stomper that continues to stir the soul. Gonzalez

85. Todd Terje, “Inspector Norse” (2012)

It could be said that the world of dance, a dozen years into the new millennium, was just ready for a little unabashed brightness amid the proliferating subgenres of EDM, grime, trap, vaporwave, and post-dubstep. (Just a single spin of Blawan’s homicidal 2012 hit “Why They Hide Their Bodies Under My Garage” would be enough to make one run screaming from the dance floor to never return again.) And if that’s the case, it should’ve surprised no one that that much-needed dose of uppers came from the Land of the Midnight Sun. Norwegian DJ Todd Terje (yes, that’s a riff on Todd Terry’s name, and yes, that’s what all Scandinavian humor is like) was already a rising figure thanks to “Snooze 4 Love” and a series of quirky re-edits, including Chic’s “I Want Your Love.” But the world reacted to the release of the knowingly absurd loping synth riffs of “Inspector Norse” like a group of preteen boys coming in from a game of touch football to a tray full of Sunny D. And when critics said his music was fit only for strandbars (Norwegian for “beach bars”), Terje turned around and called his next relentlessly chipper disco-house release, “Strandbar.” That’s some A-grade Norwegian passive-aggressiveness right there. Henderson

84. The Knife, “Silent Shout” (2006)

Pac-Man and his red-bowed honey’s wedding song? The metronomic production—minimalist but intense beats chasing each other as if in and out of love, or nightmares—is perfectly and surreally married to the equally disquieting lyrics, which recount a flashpoint in a person’s life when their sense of complacency is shattered by a dream of falling teeth. Is that love or death on their horizon? Like much of the Knife and Fever Ray’s music, or a Luis Buñuel film, the song seduces as it frightens. Gonzalez

83. The Flirts, “Passion” (1982)

Bobby Orlando became something of a disco pimp in the time between 1979’s “Disco Sucks” blowout and house music’s takeover. Representing New York, he released an unending stream of hi-NRG records in the early ’80s, which varied wildly in quality. Among his best production work, though, was what he did for the Flirts, a trio of women with an almost constantly rotating lineup. Maybe it’s just that his pimpishness was never more lucid. Certainly, his girls more than held up their end: 1982’s “Passion” is a sleazy romp of gushing synths and a bobbing erection—I mean, bassline. The title isn’t trying to twist love with sex, it’s just describing work ethic. Juzwiak

82. Björk, “Big Time Sensuality” (1993)

Björk’s got the turtleheart of a bona fide boogie monster of the hardest order, as anyone who’s watched her jam out to LFO’s “Freak” while performing “Hyperballad” live can plainly see. But even at the height of her mixtape era (namely 1993’s Debut and 1995’s Post), she seemed to perpetually intellectualize herself out of simply reveling in, to borrow from Deee-Lite, just “a good beat.” Nellee Hooper’s original production on “Big Time Sensuality” had the bones of a great dance song, and Björk’s lyric appropriately harnessed her “big feelings” to match that message up. (If “I don’t know my future after this weekend, and I don’t want to” doesn’t sum up that most eternal 3 a.m., nothing does.) But it took Fluke’s scope-widening remix of the song to bring its anthemic potential into full bloom. It takes courage to try to best Björk, but in this case it paid off big time. Henderson

81. Armand Van Helden featuring Roland Clark, “Flowerz” (1999)

The resolutely hetero B-boy Armand Van Helden (the same dude who would later rap “I’m looking for them female ejaculates, spreading that koochy with the masturbates”) was probably the least likely house producer this side of Green Velvet to provide the resurgent disco-house craze of the late ’90s with a swoony anthem. Surprise, surprise. He offered not just one, but two. His Carrie Lucas-sampling “U Don’t Know Me” was the overtly flamboyant club smash, a euphoric swirl of disco strings and an almost preternaturally perceptive approximation of just the sort of “Fuck you, I’m fabulous” soundtrack drag queens love to step off to. But, truthfully, it’s not all that difficult for straight guys to fake fierce. They “get” that aggressive aspect of gay culture. What’s trickier and more elusive is replicating the guileless, hedonistic abandon of total, submissive rapture. Thanks to a lush, spangled sample from Donald Byrd’s classy “Think Twice” and aided by Roland Clark’s astonishingly unbridled, almost Philip Bailey-esque falsetto, “Flowerz” is the gayest filtered disco record that doesn’t suck, executed without a trace of misguided testosterone. To be overwhelmed by the overdubbed vocal harmonies on the chorus is to experience the excitement of walking up that ramp to the Paradise Garage all over again. If you listen closely, you can even hear the tambourine from that club’s logo quivering in the background. Henderson

80. Anita Ward, “Ring My Bell” (1979)

The epitome of the one-hit wonder, Anita Ward made her mark in popular music with the 1979 hit “Ring My Bell.” Sporting one of the first uses of synthesized percussion on a popular record since Donna Summer’s “I Feel Love” and a smattering of electronic flourishes, the track is a cutesy, borderline-novelty tune that manages to withstand the battering of time thanks to Ward’s coy vocal performance and R&B producer-songwriter Frederick Knight’s lyrical composition about the perks of domesticity. Cinquemani

79. Andrea True Connection, “More, More, More” (1976)

With a backstory as tawdry as disco itself, Nashville-born actress-turned-one-hit-wonder Andrea True moved to New York City in the late 1960s on a quest for fame and fortune but eventually resorted to pornography for survival. In 1975, she connected with producer Gregg Diamond for the slinky club hit “More, More, More,” a breezy, laidback dance tune (the track was recorded in Jamaica) with an infectious trumpet solo that hit the top of the disco and pop charts a year later. Despite the song’s bouncy cowbell-driven meter, though, True’s cooed vocals—“If you want to know how I really feel/Just get the cameras rollin’/Get the action going,” sung with increasing gusto with each new verse—reveal an underlying sadness and disconnect only a porn star could truly understand. Cinquemani

78. Jomanda, đã có một tình yêu dành cho bạn (Hurley, House Mix) (1991)

Nhà sản xuất nhà ở Chicago đầu tiên hiếm hoi tìm kiếm hầu hết thành công sau axit, Steve Hồi Silk Hồi Hurley đã mất nhiều năm để trở thành chính mình. Một trong nhiều người không phải là người theo đạo Hồi, người đã giúp House trở thành một hiện tượng toàn cầu (cơ thể của anh ấy là cơ thể của anh ấy là ca khúc đầu tiên đạt vị trí số 1 ở Anh), mục tiêu của Hurley rất đơn giản: để tái tạo vũ trường đã truyền cảm hứng Anh ấy để tạo ra âm nhạc ngay từ đầu. Vào cuối những năm 80, anh ta biết đủ để cung cấp cho tác phẩm của mình một ánh sáng pop dẻo rõ rệt, và đến năm 1991, anh ta đã hoàn thiện nghề của mình. Mọi thành phần của bản phối lại dứt khoát của anh ấy trong nhóm cô gái House Jomanda's Got a Love For You, Hồi từ đoạn riff piano ba nốt cho đến các mẫu giọng hát Chop-Chop-Chopped cho đến những chiếc sừng giả đáng ghét cho Bongos đụ (!), là một cái móc, nhận thức hoàn hảo về cách House có thể là một phương tiện để nói chuyện với hàng triệu người. Ca sĩ chính Joanne Thomas mở phổi của cô rất rộng, nó giống như cô được sinh ra với Aretha Franklin trong miệng. Ngày đầu tiên chúng tôi gặp/trái tim tôi đứng yên, cô ấy bắt đầu, và sau đó, bạn đã có thể liên quan. Juzwiak

77. Teena Marie, phía sau Groove, (1980)

Mặc dù cô ấy là một nghệ sĩ theo cách riêng của mình ngoài danh tiếng không công bằng của mình với tư cách là thành viên có năng khiếu âm nhạc cao nhất, có năng khiếu âm nhạc nhất của Rick James Harem, R & B tự viết của Teena Marie Sultan. Tiếng gầm gừ, chộp lấy backbeats, tiếng bass popping hung hăng và độ lệch kích thích kích thích của năng lượng sừng lên các phím bị lạm dụng của một cây đàn piano bị đánh đập nghiêm trọng đều là trong khoản nợ của James. Danh sách rút gọn của những người độc thân đình đám của Teena Marie, và hầu như không có nghệ sĩ nào khác thảo luận cho danh sách này được tạo ra như nhiều ứng cử viên khả thi (chắc chắn không có nghệ sĩ nào mà chúng tôi đã dự kiến ​​cho một vị trí duy nhất), từ sàn nhảy hai lần của Biz Biz Biz đến Proto-tiết kiệm bởi tiếng chuông của người yêu. Đằng sau Groove, chỉ đơn giản là đứng cho tất cả các bài hát của Rick James mà chúng tôi đã không xem xét. Bây giờ ai là người trong bóng của ai? Henderson

76. Orbital, Hồi Halcyon + ON + ON (1992)

Có thể nó là vì vì thiết kế cấu trúc và ngụ ngôn hoàn hảo của nó, nhưng nó luôn luôn là bài hát này sẽ nhạc phim đi xe buýt kiệt sức của tôi về nhà sau một đêm của câu lạc bộ. Được thiết kế cho trí tưởng tượng bị bỏ đói của chúng tôi, nếu không chính xác là đôi chân nhảy múa của chúng tôi, tác phẩm kinh điển của cuộc sống này của anh em Paul và Phil Hartnoll của các nhịp điệu siêu âm được sử dụng trên quỹ đạo và một giọng hát cảm động bằng cách gần đúng với sự bình tĩnh và đầu hàng của chứng mất ngủ Thuốc quy định cho mẹ của họ. Giống như Halcion, bài hát hướng dẫn chúng ta nhẹ nhàng ngủ nhưng không phải trước khi tạo ra một kết nối sáng suốt với vẻ đẹp của môi trường hiện đại dường như trần tục của chúng ta. Nó là một điều kỳ lạ nhất trên thế giới: một bài hát nhảy mở mắt, ngủ. Gonzalez

75. Lisa Lisa và Cult Jam, Bạn có thể cảm nhận được nhịp đập (1985)

Những năm thập niên 80 góc cạnh, những thập niên 80 là thập kỷ dư thừa lạnh. Cụ thể hơn, đó là thập kỷ của miếng đệm vai, mái tóc lông vũ và rèm Venice, một loại Lisa Velez khinh miệt nhìn xuyên qua sau khi vứt bỏ những người yêu của cô ấy trong vòng cổ của cô ấy. Tôi nhìn và thấy trái tim tôi chỉ tràn ngập tâm trí tôi, cô ấy hát. Bản hit Tôi tự hỏi nếu tôi đưa bạn về nhà, có thể đã đưa Lisa Lisa và Cult Jam lên bản đồ âm nhạc, nhưng theo dõi ít ​​thành công hơn của họ (cũng được tạo ra bởi Full Force, có ảnh hưởng đến mức họ thậm chí còn được đề cập trong Tiêu đề album), là một pha chế tuyệt vời hơn, thúc đẩy, sẵn sàng cho câu lạc bộ. Giọng hát của LL rất bình tĩnh và thu thập, đôi khi không bị ảnh hưởng, bạn tự hỏi liệu trái tim cô ấy có đập hay không, nhưng với sự kết hợp của nhịp đập và lời bài hát về một niềm đam mê mang lại cho nạn nhân của nó một chứng rối loạn nhịp tim, không có gì đáng ngạc nhiên, điều đó không có gì đáng ngạc nhiên, điều đó không có gì đáng ngạc nhiên Mặc dù cô ấy khăng khăng rằng tình yêu của cô ấy sẽ không trở nên lạnh lẽo, nhưng cô ấy sẽ bị bỏ lại trong tình trạng gần giống. Cinquemani

74. Debbie Deb, "Khi tôi nghe nhạc" (1983)

Được phát hiện tại một cửa hàng thu âm Miami của nhà sản xuất điện/đại lý ma túy xinh đẹp Tony, Debbie Deb, 16 tuổi, là The Voice and Lyricist đằng sau công nghệ cao khi tôi nghe nhạc, một trong những bài hát nhảy tự do lớn nhất của thập niên 80 (The The The Thể loại được cho là được đặt tên theo nhóm cùng tên của Pretty Tony). Tự do sớm chỉ có gợi ý về nhịp điệu và giai điệu toàn thân của nhạc Latin, và khi tôi nghe nhạc, cũng không ngoại lệ. Thay vào đó, ca khúc bị ảnh hưởng nặng nề bởi Electro, với giọng hát robot và nhịp điệu nghiêm ngặt, được sử dụng từ AFRIKA BAMBAATAA. Cinquemani

73. Daft Punk, “One More Time” (2000)

And on the seventh day, two robot gods did not rest but instead brought the filtered disco craze of the late ’90s to its star-spangled apex. Body-glittered pink cherubs brought to their neon lips a chorus of trumpets, the chosen people congregated at the foot of a luminescent temple, and the world was either baptized or skull-fucked by a most tumescent bass kick. No room for little fluffy clouds this high up in the stratosphere. So it was written, so it has been done: “It’s Christmas in Disco Heaven, every single day.” Henderson

72. The KLF featuring Tammy Wynette, “Justified and Ancient” (1992)

The KLF might have one of the strangest backstories in dance music history: Fisherman-turned-punk Bill Drummond teamed up with musician Jim Cauty to form the hip-hop group the JAMS (Justified Ancients of Mu Mu), which was almost immediately disbanded after the infamously stingy Swedish group ABBA refused to grant them permission to use samples of their music, forcing the duo to destroy the remaining copies of their now-unsellable album. After burning the album in a field outside ABBA’s recording studio, Drummond and Cauty—who simultaneously formed the Orb with DJ Alex Paterson—adopted the moniker the KLF (Kopyright Liberation Front) and went on to blaze a trail for both ambient and stadium house in the late ’80s and early ’90s. On the heels of hits like “What Time Is Love?” and “3 A.M. Eternal,” a new version of their 1992 single “Justified and Ancient” kept them riding high on the club and pop charts, effectively turning country singer Tammy Wynette into a temporary club diva. The genre-bridging song’s own backstory can be found within the lyrics: “They called me up in Tennessee,” Wynette sings, “They said, ‘Tammy, stand by the jams.’” It was an offer she couldn’t refuse. There are numerous versions of the track, with various vocalists, but it’s the late Wynette’s distinctive delivery that gave a patently American voice to the KLF’s quirky, utopian mythology of the Ancients of Mu Mu and their global peace-touting ice cream van. Cinquemani

71. Was (Not Was), “Wheel Me Out” (1980)

The psychotronic, bass-popping first single from the endlessly performative eggheads Was (Not Was), “Wheel Me Out” rushes in with its relentless wall of rock guitars, shimmering percussion, and sci-fi dialogue snippets about a scientist who discouraged his young, female protégé and now, presumably, will live just long enough to regret it. The inscrutably funky hipster ditty now feels like one of the most galvanizing examples of every disparate niche genre of the moment coming together like Dr. Funkenstein’s monster. Such was the scene in Detroit, where P-funk had recently turned slop into a cosmic initiative and where very shortly A Number of Names would unleash “Sharivari” and, with it, techno. Henderson

70. Tom Tom Club, “Genius of Love” (1981)

“What cha gonna do when you get out of jail?” “I’m gonna have some fun!” The opening lines of Tom Tom Club’s toss-off “Genius of Love” are worth isolating for being among the most bizarre calls to the dance floor. But then the entire TV Party-era song is blissfully, petulantly off its rocker: a disjointed, stream-of-consciousness smoke signal from a lovesick club girl tearing her ears away from Bootsy Collins (and her nose away from the white lines) just long enough to ask if anyone’s seen her “genius of love” boyfriend lately. Former Talking Heads bandmates Tina Weymouth and Chris Frantz (and a disparate cast of Caribbean musicians, including the same “Sly and Robbie” mentioned in the lyrics, borrowed from Grace Jones) didn’t seem to actually write the song so much as channel its juicy/sweet guitar-driven energy into a compact diorama of the disco-friendly vitality of New York new wave. That which borrows is, in turn, borrowed from, and “Genius of Love” became a charter samplers’ paradise, showing up in songs by artists as diverse as GrandMaster Flash and Mariah Carey. Henderson

69. Mr. Flagio, “Take a Chance” (1983)

Before I-F provided the great public service that was the 2001 DJ mix Mixed Up in the Hague, “Italo” was a dirty word, signifying either piano- and sample-based early-’90s house (a la Black Box) or the brand of European mid-’80s soulless post-disco that, in fact, wasn’t very disco at all (think synth-based footsteps to Stock Aitken Waterman beneficiaries Bananarama, Rick Astley, and early Kylie Minogue). Thank God, I-F set us straight, focusing his definitive Italo mix on the genre’s early offerings and their permutations, including A Number of Names’s “Sharevari,” Klein & M.B.O.’s “Dirty Talk” (both on this list), and especially 1983’s “Take a Chance,” among the most loved Italo disco track of all time. A remake of the Nona Hendryx-voiced Material song, “Take a Chance” provides the dance floor with everything but blood. One minute a chorus of excitable Europeans have things shrill and dramatic, the next it’s impossibly cool, as an icy robot voice generates sweet nothings over a grinding bass line. It’s the sound of the future, decaying. Juzwiak

68. Mr. Fingers, “Can You Feel It” (1986)

In the beginning, there was rhythm—the tubular, fluid flow of the 303 bassline, the clicking and tapping of primitive drum machines. But with 1986’s “Can You Feel It,” house went deeper, thanks to Larry Heard (a.k.a. Mr. Fingers), a jazz musician among insects. The Chicago classic, with a looming, pre-ambient melody and sheets of hi-hats, sounds like the hard rain of God’s tears. The spiritual potential of “Can You Feel It” was underscored in the song’s subsequent incarnations—a gospel-tinged version sung by Robert Owens, a revamp featuring Martin Luther King Jr.’s “I Have a Dream” speech, and, maybe most famously, the song-as-sermon version featuring Chuck Roberts’s much-sampled rant (“In the beginning, there was Jack and Jack had a groove,” it starts, laying out house’s genesis). But the moral of Roberts’s story—“House is a feeling!”—had already been conveyed by Heard’s original, wordlessly and perfectly. Juzwiak

67. Klein & M.B.O., “Dirty Talk” (1982)

For a bunch of Italians, Tomas Ramierez Carrasco and Mario Boncaldo knew shit about talking dirty. That the lack of effective sex banter doesn’t at all hinder 1982’s “Dirty Talk” is a testament to the wonderfully nonsensical charms of Italo disco. Helping make this one a camp classic are Rosanna Casale’s shrill, dippy-blond vocals. The percolating rhythms, though, were nothing to laugh at—that tubular bassline sounds suspiciously like a 303, and even if it wasn’t, “Dirty Talk” provided more than a few footsteps to house. Juzwiak

66. ABBA, “Lay All Your Love on Me” (1980)

ABBA’s entire canon, at once corny and exhilarating, is notable for sounding as if it’s being kneaded by the glamorous hands of disco on one side and the sticky fingers of glam-rock on the other. It’s this dreamy, boxed-in sense of in-betweeness that probably explains why the Swedish group’s music so easily appeals to desperate housewives and hipsters of the world; theirs is pop music for people living in the closets of their own frustration. Sexy and poignant, “Lay All Your Love on Me” is a song about love and regret, made when the group’s dynamic was at its most frayed. Pitch-perfectly grafted into the urgent, slip-and-sliding sounds of Björn Ulvaeus and Benny Andersson’s organ-infused production, the disaffected vocals by Agnetha Fältskog and Frida Lyngstad evoke a sad state of affairs between these former lovers. It’s the group’s take on Bergman’s relationship-on-the-rocks dramedy A Lesson in Love. Gonzalez

65. Giorgio Moroder, “From Here to Eternity” (1977)

From ABBA to Zhané, it seems as if our entire history of dance can be traced to the fruit of Giorgio Moroder’s innovative work with Donna Summer. But to ignore the Italian-born producer’s own solo work would be a dangerous oversight. With its dirtied combination of 4/4 kick drum, passive female sopranos, and Moroder’s own commanding baritone, the song’s forceful masculine subjectivity immaculately complements and interlocks with the ferocious sexual agency of Summer’s “I Feel Love.” Consider “From Here to Eternity” the Adam to the Eve of “I Feel Love”; to listen to these songs today is to behold the creation of electronic music. Gonzalez

64. Grace Jones, “Pull Up to the Bumper” (1981)

The symbiosis between disco’s superstar divas and the clubgoers whose songs they entranced was in almost every case a two-way street. The former group delivered to the latter blissful sonic hedonism in regular, 12-inch installments, and the latter returned the favor with unyielding fervent worship. This circuitous relationship breaks down each and every time when it comes to singer-model-virago Grace Jones, who, once she got disco-Broadway kitsch out of her system in her first few albums, seized control of her image and commanded respect and fear, and carried herself as someone who frankly couldn’t give a fuck whether you worshipped her or not because, clearly, plenty of others already did. “Pull Up to the Bumper” allegedly isn’t a song-length metaphor for anal sex, at least according to interviews Jones has given since its release, but that sure doesn’t mean she didn’t snatch an audience member up on stage at a live Paradise Garage performance to, quoting the Village Voice review, hump his bumper. Henderson

63. The Emotions, “Best of My Love” (1977)

Backed by Earth, Wind & Fire at the peak of their pop crossover power, the Emotions hold their feet firmly planted within their gospel roots throughout most of “Best of My Love,” keeping their melodies sweet, holding the vocal tenor of that titular love discreet, if not downright chaste. But when that last bridge comes sweeping in, their high notes start arpeggiating, and their interchanging interjections get husky. And then, just before the chorus, they allow themselves to get swept up in the physical sensation the rest of the song had already been taking listeners. And then…“Ow!” Alicia Myers’s transgressively holy-horny “I Want to Thank You” made the pursuit of sexual fulfillment nothing less than a spiritual mission statement, to beatific effect, but these one-time church choir girls managed to best her with one single note. Henderson

62. Tầng hầm Jaxx, Break Breakaway (2001)

Latin, Dub, Disco, Electroclash, Purple Music: Không có phong cách nào vượt ra ngoài tầng hầm của Jaxx, nhưng nếu có một bản nhạc dường như thông báo về sự xuất hiện của bộ đôi này là một thể loại đối với chính họ, thì nó rất có thể là một bản nhạc không độc thân từ Album Rooty: Break Breakaway. Dự đoán quá mức quá mức của Kish Kash (trong khi vẫn tránh được sự thiếu không gian thiếu oxy của album đó), thì Break Breakaway là đồng thời là một sự phản hồi của Công viên Paisley (rất có thể là Camille cung cấp giọng hát helium) và một nhịp đập vỡ rực Tập thể dục nước ép ra khỏi trái đất, gió và lửa polytonal Lady Lady Sun. Kiểm tra cách họ quản lý để thực hiện tiến trình bassline giảm dần đơn giản từ funk khỏa thân Twangy đến một cơn sốt sâu sắc, bốc lửa. Henderson

61. Yaz, tình huống của người Hồi giáo (1982)

Vince Clarke, cha đỡ đầu của nhạc khiêu vũ, bắt đầu sự nghiệp lừng lẫy của mình là một thành viên của Depeche Mode và hôm nay đánh bại Synths for Erasure. Ở giữa trang phục, anh và cựu thành viên la hét của Abdabs Alison Moyet đã tạo ra Yaz, nhóm điện âm ngắn nhưng thành công có album trên lầu tại Eric, vẫn còn mới mẻ đáng ngạc nhiên. Đối với tình huống của người Hồi Phong cảnh âm nhạc. Họ không làm cho họ như thế này nữa và họ sẽ không bao giờ nữa. Gonzalez

60. Chic, "Good Good Times" (1979)

Có phải lời nói của điệp khúc, đó là những thời điểm tốt lành (được hát để mỗi từ nghe giống như một giai đoạn theo sau), một tình cảm chân thành hay cố gắng sang trọng để thuyết phục bản thân rằng sự điên rồ của vũ trường là ma thuật? Dù bằng cách nào, đĩa đơn năm 1979, thời gian tốt là một viên nang thời gian hiệu quả. Bài hát và nhạc cụ của Bernard Edwards và Nile Rogers là nạc và đủ hiệu quả để đặt mũ lên vũ trường toàn băng tần và sinh sản vô số sự mô phỏng, bao gồm, tất nhiên, The Sugarhill Gang's Rapper's Delight, và Nữ hoàng Một người khác cắn bụi, mà lấy trộm Bassline nhanh nhẹn của Edwards. Juzwiak

59. Deee-lite, "Tình yêu là gì?" (1990)

"Tình yêu là gì?" Tự hào có một trong những giai điệu tổng hợp hấp dẫn nhất và một số bước đi khó khăn nhất, quyến rũ nhất trong tất cả các nhạc khiêu vũ, cho thấy một cuộc đối đầu hoành tráng giữa một cơ quan và một bộ tổng hợp. Gọi nó là phiên bản Deee-Lite của Disney, Make Mine Music: organ phục vụ tổng hợp, tổng hợp phục vụ organ, organ và tổng hợp chết đuối trong một bản trống sôi và bass. Giọng nam nói, người Hồi giáo, người tư tưởng là một người tư tưởng? Deee-Lite đã đưa âm nhạc của họ ra thế giới bằng một cái lưỡi mà tất cả chúng ta đều có thể hiểu, giải mã ngôn ngữ âm nhạc để trả lời một câu hỏi mà mỗi người trong chúng ta đã giải trí vào lúc này hay lúc khác. Khi Kier cuối cùng cũng vang lên và phản ứng với giọng nói Hal-esque, nó chỉ tự nhiên, nhịp điệu làm giảm tính từ nữ sinh ngớ ngẩn của cô thành một mớ hỗn độn của những kẻ không thể hiểu được. Ai cần lời nói khi một nhịp tốt truyền đạt tất cả? Gonzalez

58. Whitney Houston, "Tôi muốn nhảy với ai đó (người yêu tôi)" (1987)

Cuối cùng, nó có thể là một điệu nhảy chậm chạp của Whitney khi chữa trị sự cô đơn tràn ngập hoàng hôn của cô ấy, nhưng với tiêu đề của nó, Gummy Bassline, Schmaltzy Horns, Bàn phím leng keng, và những thay đổi quan trọng nửa bước, Houston #1 Pop và Club Hit và Club Hit Hit và Club Hit và Club Hit và Club Hit và Club Hit và Club Hit và Club Hit và Club's Tôi muốn khiêu vũ với ai đó (người yêu tôi) là những người nhảy múa thập niên 80 dứt khoát, cầu xin những người diva bị sư tử, đội bóng mini ở tất cả chúng ta để có cơ hội cho một tình yêu cháy bỏng sẽ kéo dài ít nhất ba đến bốn tuần , tùy thuộc vào mức độ nghiêm trọng. Và nó đau rất tốt. Cinquemani

57. Bob Sinclar, phòng tập thể dục thuốc bổ (1998)

Đồng thời sâu thẳm như địa ngục và hoàn toàn lố bịch, Gym Gym Tonic, là người Pháp mới lạ. Một mặt là một đoạn riff âm nhạc bị giật từ Motown Sound's Bad Mouthin ', anh ấy cung cấp cả hai chiếc bugaboo tinh nghịch, nhảy bassline và những cây đàn guitar popcorn đó (gãi với những gì âm thanh như những lời khuyên kim cương cho sự hấp dẫn tối đa), và mặt khác là một vụ giật của những người bị xé toạc từ video tập luyện Jane Fonda, một bước chân thời gian 2-3-4-5-6-7-8 và trở lại! có sự hấp dẫn của trại rõ ràng một cách đau đớn không thể tự mình hoàn thành di sản như một câu thần chú sàn nhảy. Cả Sinclar và Remixer Thomas Bangalter đều có những cú đánh hài lòng hơn về mặt âm nhạc tại Le Neo-Disco Française (Bangalter: Âm nhạc nghe hay hơn bạn; và ăn sâu vào xấu xa hơn. Đó có lẽ là lý do tại sao ca khúc cuối cùng đã làm cho mối quan hệ hợp tác của họ trở nên chua chát. Henderson

56. Extra T’s, “E.T. Boogie” (1982)

Rumor has it “E.T. Boogie” was sued out of circulation by Steven Spielberg. I now question the veracity of this rumor (which I fully admit I only heard once from a DJ on a retro show and have subsequently taken as truth ever since), especially given that the strongest evidence in favor of this theory is the fact that there is a fully instrumental version of this electro-boogie cash-in. But, it turns out, this is just the B-side of the original 12” version, spotted with the supposedly copyright-infringing sporadic interjections from a vocoderized imitation of Spielberg’s beer-drinking alien hero: “E.T. phone home” and “Ouch!” I know, it sounds about as appealing as those early-’90s dance parodies featuring Bart Simpson or Forrest Gump. But the clunky-chunky dance funk of “E.T. Boogie” and its fabulously sloppy, held-together-by-paper-clips 808 beats are the real thing. (Busta Rhymes sampled the track on “Dangerous.”) The close-but-no-spliff encounter of the camp kind is just icing. Henderson

55. George Michael, “Too Funky” (1992)

Even amid the best efforts to quell AIDS hysteria and steer activists away from slut shaming, it took some breathtaking balls to present, as the lead single for the AIDS-research benefit compilation album Red Hot + Dance, a song that insists “I’ve got to see you naked, baby” and “I gotta get inside of you.” It semiotically embodies the very essence of house-fueled cruise culture. The same year that Madonna and Shep Pettibone got the fever on Erotica, Michael’s piano-pounding “Too Funky” was first in line to turn up the thermostat. Henderson

54. Masters at Work featuring India, “I Can’t Get No Sleep” (1993)

India couldn’t get no sleep, dance listeners didn’t want it, and “Little” Louie Vega and Kenny “Dope” Gonzalez (collectively, Masters at Work) didn’t have time for it. Since joining forces in the early ’90s as a DJ and production duo, Masters at Work have relentlessly turned New York house into the melting pot (or, if you prefer, salad bowl) it should be. Out-discoing disco (their remake of Loleatta Holloway’s “Runaway,” again with India on the mic, insistently surpassed the original), bumping samba house, programming sample house, and leading full-band blow-out house, you get the feeling that these masters never really stop working. “I Can’t Get No Sleep” represents them at their best and most individual sound—post-Chicago deep house—with its frigid, minor melody melted by a wannabe church organ. Or maybe it’s just that love making it weak. Juzwiak

53. Michael Zager Band, “Let’s All Chant” (1978)

Disco keyboardist and New Jersey native Michael Zager’s quirky 1978 hit “Let’s All Chant” is a deft mix of disco, funk, and baroque-pop, its relentless bassline and multiple hooks (“Ah-ah, eh-eh, let’s all chant” and “Your body, my body, everybody work your body” among them) tailor made for the discotheques of the late ’70s. But it’s the song’s breakdown that makes “Chant” so special: Just as the track works itself into an organ-fueled frenzy, the bottom drops out, leaving Afro-Cuban drums and a few lone disco caws to fill the void before gradually reprising the bass and handclaps and building to Zager’s rollicking piano lines, garnished with an array of live wind instruments, including a trumpet solo that sounds like it’s straight out of the Dynasty opening theme song. Cinquemani

52. The Chemical Brothers, “Star Guitar” (2002)

“Star Guitar” is the Chemical Brothers’s most well-balanced blend of their LSD-tipped psychodelic hallucinations and frenzied, bass-popping big beat anthems. Like the astonishing Michel Gondry video for the song (in which rhythms are registered through the objects passing outside the window of a passenger train), it’s all about the duo’s careful layering of sonic elements around a monolithic squelch-synth line, distorted into dazzling Technicolor with an epic amount of reverb. If the Chems’s zero-inertia “You should feel what I feel/You should take what I take” refrain comes off as a near-redundancy (there’s just enough space between each repeat for everyone under the tent to giggle “too late!”), the simple tension and release of “Star Guitar” gives listeners a vivid approximation of what they feel without even requiring you to take what they take. Every druggy, squelching aural accoutrement vibrates with its own dizzying life force. Henderson

51. Paula Abdul, “Straight Up” (1988)

Third time was a charm for Laker-girl-turned-choreographer-turned-pop-singer Paula Abdul. From the very first lyric (“Lost…in a dream…”), the breakout single from her initially DOA 1988 debut Forever Your Girl struck a chord at radio and clubs, igniting a career that spawned a string of chart hits and two blockbuster LPs. Expertly produced by Elliott Wolff (whose credits include little of note before or since), “Straight Up” was a true product of its time but still managed to stand up (and stand out) on legs as long and sinuous as the funky, elastic bassline lain beneath the track’s stuttering synth ascensions and faux horn and flute melodies, not to mention Abdul’s myriad car metaphors. Cinquemani

50. Stephanie Mills, Hãy đặt cơ thể của bạn vào đó (1979)

Đội ngũ sản xuất/sáng tác của James Mtume và Reggie Lucas là người Quincy cho Stephanie Mills, Michael, The Jam và Lewis cho Janet của cô, Jermaine cho người mở của cô. Mặc dù họ thường kéo nàng thơ của họ trong vũ trường sống tươi tốt với những chuỗi rất khổng lồ, nhưng Cin Cinicatic, sẽ không bắt đầu mô tả họ, năm 1979, đặt cơ thể của bạn vào đó không có thời gian cho tình cảm như vậy, nó quá bận rộn để dự đoán Tương lai. Xung quanh trống trực tiếp và các chuỗi lịch sự xoáy synth với công nghệ cho công nghệ, sake sake gusto và âm thanh thúc đẩy hầu hết các loại sản lượng sàn nhảy màu đen, hậu Disco của những năm đầu thập niên 80. Nếu việc sản xuất xuất hiện trên robot, Mills làm bất cứ điều gì, nhưng mang đến một sự rung cảm nuôi dưỡng theo tiêu chuẩn ở đây, lời bài hát của bạn-Chance-Chance-Now-Dance. Cô ấy nói, tôi biết bạn có thể nhận được nó, với sự ấm áp của một vị vua trên này, mẹ của Boogie. Juzwiak

49. Candido, người đàn ông ngón tay (1978)

Candido Camero, những lời tán tỉnh với Salsoul Disco chỉ là một điểm dừng trong sự nghiệp dài, đa năng của một người đàn ông có thể chơi Latin, Jazz, Funk, Soul, và thậm chí là một chút Muzak. Máy bắn hơi nước, salsa khởi động của Jingo Jingo, đại diện cho bản hit lớn nhất của anh ta, nhưng vỏ bọc caffein của anh ta về công cụ Downtempo của chính anh ta, những người đàn ông Ngũ Came của anh ta, dường như, nhìn lại, thậm chí còn có tầm nhìn và có ảnh hưởng hơn. Mở đầu với một bản nhạc jazz khí quyển, hợp nhất, bản nhạc cuối cùng đã nhảy vào một combo trống chặt chẽ siêu nhiên, cùng một nhịp nguyên khối mà Moroder/Bellotte/Summer sẽ sử dụng trong toàn bộ LP Girls Bad của họ và một ngôi nhà sâu. Đàn piano dường như xuất phát từ một buồng tiếng vang dưới nước. Nữ Coos của Cand Candido nổi từ đầu này sang đầu kia. Là một đại diện của sự khéo léo sản xuất của nhà máy Salsoul, thì người đàn ông ngón tay hàng ngàn người vẫn còn phát ra trước thời đại. Henderson

48. Buckethead, Bomb (những âm thanh này rơi vào tâm trí tôi) (1995)

Các bậc thầy tại nơi làm việc bắt đầu sự nghiệp lâu dài của họ trong âm nhạc nhà sản xuất các bản nhạc dự phòng, công nghệ với hàng dặm không gian mở giữa mỗi lớp lập trình trống ít ỏi của họ. Nhưng khi biệt danh của họ đạt đến thời đại trung niên văn hóa đại chúng, họ đã trở nên điên rồ tương tự trên mông của chúng tôi. Rất nhiều đầu câu lạc bộ đã viết ra bất cứ điều gì mà Little Little Louis Vega và Kenny Hồi Dope đã sản xuất từ ​​năm 1995, kêu gọi những nỗ lực của họ để cung cấp cho Middlebrow như Tito Puente và George Benson và Luther Vandross Street tín dụng lãng phí tài nguyên. Khó khăn. Sự thật là bốn bài hát tạo thành một phần nhà của linh hồn Nuyorican (đầu tiên và quan trọng nhất là Jocelyn Brown, bốc lửa. Và ngay cả khi họ làm dịu nhịp đập của họ và làm phẳng âm thanh của họ, sự tinh tế nhịp nhàng của họ vẫn còn vô song. Các phiên Nuyorican đại diện cho nỗ lực hậu công nghệ bền vững nhất của họ, nhưng cú đánh duy nhất lớn nhất của họ là một vụ đánh bom! . Henderson

47. anh em hóa học, nó không phải là vấn đề (1997)

Lãng phí một cách thanh lịch, không quan trọng là một con quái vật trance nham hiểm mà từ đó phượng hoàng của anh em hóa học đầu hàng đã được sinh ra, đã được sinh ra, hoạt động như một đài phát thanh bóng bán. Lâu đài Greyskull. Anh em nhà hóa học đang cố gắng liên lạc, ngoại trừ họ không muốn tiến hành fax orgy a la deeee-lite rất nhiều như tổ chức một thiên đường Raver, và họ đã giành được không nhận được từ nữ phù thủy cảnh giác. Một nhịp đập dữ dội, dữ dội rơi xuống khi họ đưa chúng tôi vào trong lâu đài. Đây không phải là vấn đề, họ nói với cô ấy (có lẽ họ đe dọa sẽ tiết lộ danh tính của cô ấy với con gái Teela), người không thích thú cũng không dễ đặt. Nó đã trơn tru trong một phút hoặc lâu hơn trước khi sự tối giản được điêu khắc của những thứ này thành một sự lãng quên của những nhịp đập lớn và những tiếng thét giống như chim. Người phụ nữ phản đối quá nhiều, nhưng anh em don lồng ngăn chặn tảng đá. Gonzalez

46. ​​Rihanna có Calvin Harris, chúng tôi đã tìm thấy tình yêu (2011)

Tự thông báo với một bộ các khoảng synth được đồng bộ hóa âm thanh giống như báo cháy khi họ thực hiện một cuộc gọi đến sàn nhảy, chúng tôi đã tìm thấy tình yêu của bạn Bật cảm giác như một xung lực gần như tôn giáo. . Nhưng đó là sự kết hợp của hai người (được nhấn mạnh trong video âm nhạc giành được VMA) khiến cho đĩa đơn bán chạy nhất của Rihanna, đã từng là một hậu duệ hoàn toàn của Nguyên tắc Niềm vui. Henderson

45. Patrice Rushen, trên thiên đường bạn đã nghe thấy (1980)

Bạn không nghe thấy bạn là đỉnh cao của sở trường thiên tài âm nhạc tất cả trong một của Patrice Rushen để vẽ như nhau từ các truyền thống R & B, vũ trường và nhạc jazz và bằng cách nào đó đến với những người mới nhất, sạch sẽ nhất, vui nhộn nhất từng làm say đắm đám đông từ Dank, loa câu lạc bộ bẩn. Nghiêm túc mà nói, họ đã đủ nguyên sơ để triệu tập một cây sáo chứa đầy Veuve Clicquot ướp lạnh vào tay bất cứ ai trong tai nghe. Giống như bản hit crossover lớn nhất của Rushen,, Forget Forget Me Nots, (cũng được đồng sáng tác bởi tay bass Freddie Washington), bạn đã nghe thấy chính xác để loại bỏ tất cả sự hoài nghi từ cú đá phi nước đại. Và màn trình diễn của Rushen, tour diễn trên cả piano acoustic và điện biện minh cho khát vọng của cô về việc tìm kiếm anh chàng hoàn hảo. Bất cứ ai có thể lan truyền sự ấm áp này không ngừng xứng đáng không kém. Henderson

44. Afrika Bambaataa và Sonic Soul Force, Hành tinh Rock Rock (1982)

Hip-hop hầu như không ra khỏi tã vào năm 1982 khi Afrika Bambaataa aasim của Bronx (nơi khác?), Lực lượng Sonic Sonic của Village People-esque, và nhà sản xuất Arthur Baker nghĩ rằng nó đủ trưởng thành để đi du lịch. Các yếu tố truyền tải của tập thể Đức Kraftwerk trong thời gian Trans Europe Express, với một nhịp điệu điên cuồng, bị phá vỡ, Bambaataa và công ty không chỉ cung cấp mẫu của nhạc nền bật và khóa, họ vẫn tạo ra hiệu ứng gợn mà vẫn có thể cảm nhận được cho đến ngày nay. Bằng cách tạo ra Electro, một thể loại vẫn còn tồn tại, phi hành đoàn cũng chịu trách nhiệm về mặt kỹ thuật cho Miami Bass và Latin Freestyle. Nhưng don giữ điều đó chống lại họ. Juzwiak

43. Một số tên, Chia sẻ chia sẻ (1981)

Nếu có một thứ như Proto-Techno (vượt ra ngoài những tác phẩm đầu tiên của Juan Atkins), thì Sharevari đã thực sự là điều đó. Được tạo ra bởi các học sinh trung học Paul Lesley và Sterling Jones và được đặt theo tên của Đảng Detroit cực kỳ sang trọng Charivari, Chia Shari, một cách thích hợp, với một nhịp điệu như các chuỗi như là Trong một trò chơi Atari. Mặc dù có nguồn gốc Detroit, nhưng có vẻ như là những người có vẻ như là bất cứ nơi nào ở bất cứ đâu hoặc ít nhất ở bất cứ nơi nào ở châu Âu (giọng Euro vô lý trên giọng hát chính chắc chắn chỉ làm tăng thêm sự nhầm lẫn về địa lý). Nhưng trong thế giới đáng tin cậy của Clubland, đó là nơi mà bạn đến từ nơi, đó là nơi bạn đến. Juzwiak

42. Madonna, người bị treo lên (2005)

Một trong những người khác đã hát một chiếc đồng hồ tích tắc để thể hiện sự sợ hãi về thời gian lãng phí, nhưng Madonna đang hát về sự lão hóa hoặc cứu thế giới, cô ấy nói về tình yêu. Đến với những suy nghĩ tâm linh của Ray of Light và tư thế chính trị-xã hội của cuộc sống năm 2003 của người Mỹ, cuộc sống của người Mỹ đã quyết định rất khó khăn. Với giọng hát cao hơn, mẫu arpeggio truyền nhiễm từ ABBA của Gimme Gimme Gimme (một người đàn ông sau nửa đêm), và sự thay đổi quan trọng, không chính thức của cây cầu, theo dõi chỉ ra quá khứ, và nó đã chứng minh rằng, 20 năm trong sự nghiệp của cô , Madonna vẫn là nữ hoàng nhảy múa duy nhất và duy nhất. Cinquemani

41. Soul II Soul

Một tập thể câu lạc bộ U.K. bao gồm nhà sản xuất khổng lồ Nellee Hooper và Jazzie B, Soul II Soul's Crossover Hit Back Back to Life (Tuy nhiên bạn có muốn tôi) và sự pha trộn mượt mà, say mê của Caron Wheeler Piano đệm là một dị thường pop ở hai bên Đại Tây Dương. Ở Anh, nhịp độ từ trên xuống không được đánh dấu là sự tương phản rõ rệt với cảnh Isles, phát nổ cảnh axit. Ở Mỹ, tất cả chúng ta đều được nhắc nhở về những gì vui nhộn nghe có vẻ như khi được chơi trên một cây đàn piano thực sự và không phải là một từ những bức tường của những người chơi bàn phím synths được sử dụng để bao quanh mình (như Poe tựa The Cask of Casio). Và, ở hai bên ao, sự bass đầy đủ, đầy đủ của cấp dưới đã báo trước sự kết thúc của thập kỷ ba của thập niên 80. Chúng tôi đã cưỡi trên cấp thấp kể từ đó. Henderson

40. Technotronic, Bơm lên mứt (1989)

Với nhịp Hi-Hat và Dry 909 nổi bật của mình, nhóm người Bỉ Technotronic, trong thời gian, người Bỉ đã đưa ra các hành vi Eurodance, từ McCoy thực sự đến La Bouche, đó là điệu nhảy thống trị vào giữa những năm 1990. Bản nhạc hợp nhất của Deep House và Hip-Hop cũng khiến nó trở thành một trong những bản hit pop chéo hông đầu tiên. Giống như hip-hop, âm nhạc đầu tiên phụ thuộc rất nhiều vào các mẫu, và bơm pump mứt mứt được điều khiển bởi không chỉ là một trò giải trí của synth Stabs từ Royal House's Can Can Party, mà là một mẫu của 303 bassline từ Farley Hồi Jackmaster xông Funk's The Acid Life, cả hai đã phát hành cùng năm đó. Kết quả là một sự pha trộn say đắm đã biến những gì đáng lẽ phải là một sự mới lạ bị lãng quên thành một điệu nhảy cổ điển bền bỉ. Cinquemani

39. Blondie, Heart Heart of Glass (1978)

Với những bản synth xoáy và những đoạn riff guitar giống như sang trọng phát ra một tiếng trống và ca sĩ Debbie Harry, giọng hát nhúng mật ong, bài hát về tình yêu mong manh đã giúp nâng sóng mới từ dưới lòng đất và vào dòng chính, kết hôn với âm thanh của âm thanh của âm thanh của âm thanh của âm thanh với âm thanh của Phong trào Disco lúc bấy giờ. Harry Layered, giọng hát thoáng đãng tương phản với đồng thau thường sâu hơn, có nguồn gốc punk hơn, trong khi kết thúc nhạc cụ uể oải của bản nhạc đã mô phỏng công thức vũ trụ Giorgio Moroder đang hoàn thiện vào thời điểm đó. Người ta chỉ có thể tưởng tượng những gì Moroder có thể làm với ca khúc, nhưng thực tế là anh ta có lẽ đã thay đổi một điều duy nhất. Cinquemani

38. Patrick Cowley có sự tham gia

Sylvester đảm bảo cho mình một chú thích trong lịch sử nhạc pop bằng cách lọt vào top 20 của Hoa Kỳ trong khi mặc một chiếc váy. Nhưng di sản của ông không liên quan gì đến sự mới lạ; Một trong những giọng ca khác biệt nhất của kỷ nguyên vũ trường, linh hồn của Sylvester, đã thúc đẩy âm nhạc của anh ấy nhiều hơn so với tiếng trống bass điển hình của nó. Bạn có muốn funk, một sản phẩm từ Patrick Cowley có trụ sở tại San Francisco, tìm thấy Sylvester điều hướng một trong những thiết lập robot nhất của anh ấy Subgenre gần như được đánh giá cao bởi những người đồng tính nam, và nổi tiếng nhất là tại Câu lạc bộ New York khét tiếng The Saint). Một lần nữa, Fun Funk có thể xuất hiện như một sự tiến bộ không được đáp ứng tại một câu lạc bộ tình dục, nhưng cốt truyện của nó có trọng lực hơn nhiều. Truyền thuyết của Bạn Do You Wanna Funk, một cái gì đó như thế này: Cowley đã chết vì AIDS trong '82 (anh ấy sẽ trở thành một trong số vài trăm người đầu tiên được ghi nhận để chịu thua căn bệnh này) và Sylvester buộc anh ấy phải tạo ra và Sản xuất đường đua từ giường chết của mình. Nỗi buồn tê liệt làm nền tảng cho một ca khúc cực kỳ ngây ngất, đầu tiên của tôi là người đồng tính giữa những người đồng tính đầu thập niên 80 cũng như bất kỳ văn hóa nhạc pop nào. Juzwiak

37. Cece Peniston, cuối cùng (1991)

Sự vắng mặt cho sự nghiệp, màu đen và nữ không cân xứng, đã bị cắt ngắn khi phản ứng dữ dội chống lại vũ trường có thể đã đến vào đầu những năm 90, khi trong ba hoặc bốn năm Như Donna Summer, Gloria Gaynor và Diana Ross đã làm khoảng 15 năm trước. Một số bản nhạc đó được giới thiệu trong danh sách này, nhưng một số trong số chúng nói một cách mạnh mẽ với thời điểm hồi sinh và quả báo đó như Cece Peniston, Gut-Wrenchly hài lòng cuối cùng. Rõ ràng, cô ấy đang hát về sự hồi hộp khi gặp ông Right Right With Brown Cacoa Skin và Curly Black Hair, nhưng cuối cùng, khi bài hát đã diễn ra vào một loạt các âm tiết được kết hợp -Không, Ay-Yay, Aaaow Hồi Hồi Nguyên tắc niềm vui của bài hát rõ ràng đã được đưa vào tầng bình lưu meta. Sự chờ đợi để thở ra chưa bao giờ cảm thấy kiếm được rất nhiều. Henderson

36. Missy Elliott, Hồi Get ur freak on (2001)

Nó có một chút khó khăn để bắt giữ bây giờ, nhiều năm sau khi nó chinh phục thế giới, nhưng ngày xưa, bài hát này thực sự rất kỳ lạ. Tất nhiên, có một mẫu hoàn toàn xoắn, quá giang một chuyến đi đến Bollywood trong chiếc xe Knight Rider. Sau đó, có một lập trường ADHD-CUM-Dancehall, Chaos-Lý thuyết mà nó dành cho cấu trúc Hợp xướng thơ, được nhấn mạnh bằng các hiệu ứng âm thanh (missy hocking a loogie!). Chưa kể tiếng trống-bass-bass Outro và Missy Lừa Ragga Toasting Stylings. Được rồi, vì vậy bài hát này vẫn thực sự kỳ lạ. Dave Hughes

35. Hộp đen, Tấn công nó lên (1991)

Trong khi Disco không bao giờ thực sự chết, nó đã xử lý sự phẫn nộ công bằng của mình kể từ khi ngọn lửa có mục đích. Lấy trường hợp của Italo House Group Black Box, người đã tung ra đĩa đơn sau khi độc thân với video sau khi giới thiệu video người mẫu Katrin Quinol với tư cách là ca sĩ chính của nhóm. Nhưng, như bất cứ ai sống qua vụ bê bối (đồng thời với Milli Vanilli,) đã biết, nó chắc chắn không phải là giọng nói của cô ấy sau khi đánh bại những cú đánh đáng nhớ như những người như mọi người, mọi người đều tấn công. Đó là Martha Wash, người có giọng nói khổng lồ thể hiện hoàn hảo linh hồn của vũ trường và âm nhạc gia đình; Cô ấy có khả năng đập 4/4 nhịp vào tổng số. Các bản ghi demo của Wash đã được sử dụng làm sản phẩm cuối cùng mà không có sự đồng ý của cô ấy (hoặc cung cấp tín dụng của cô ấy), và khi nhìn lại, một điều kỳ diệu là bất cứ ai nghĩ rằng mọi người sẽ nhận ra nhạc cụ mạnh mẽ của cô ấy từ vòng quay đầu tiên. Với khoản nợ và sự xuống cấp hiện đã được giải quyết, có thể nhận tội một cách không tội 4/4 nhịp. Henderson

34. Kylie Minogue, có thể đưa bạn ra khỏi đầu tôi (2001)

Tên có thể là số phận; Tiêu đề cũng có thể. Vì vậy, nó đi với Kylie Minogue, một cú hích toàn cầu nhất, một con giun tai ánh kim có hiệu quả đáng kể trong nhiệm vụ rõ ràng là lập trình lại bộ não của bạn. Kraftwerk với một loạt các móc nối triệu đô và ngân sách tiếp thị quy mô quốc tế, xung sau giờ robot của nó báo hiệu sự xuất hiện của một kỷ nguyên tối thiểu trong nhạc khiêu vũ. Nghe có vẻ như là một tương lai mà mọi người đều bị loại bỏ, mặc những chiếc váy sninky, lái những chiếc xe hơi bóng mượt quá nhanh trên Autobahn trên đường đến bữa tiệc tuyệt vời nhất trên thế giới và nó vẫn sống theo lời hứa tiêu đề của nó. Hughes

33. Hoàng tử, thành phố khiêu dâm (1984)

Trong khi Tipper Gore khóc lóc với Quốc hội rằng album ở đầu bảng xếp hạng chứa một tài liệu tham khảo về thủ dâm, thì không ai nắm quyền Và sau đó, một lần nữa có thể không) phá vỡ hàng rào từ F W Word, làm hỏng sàn nhảy và sóng phát thanh hông nơi bài hát đã phát triển một cuộc sống danh sách nhạc của riêng mình. Thành phố khiêu dâm thành phố là hoàng tử, hoàng tử nóng bỏng nhất từ ​​trước đến nay, và nó khá bẩn ngay cả khi bạn thực sự tin rằng anh ấy thực sự nói rằng Fun Funk khi đôi tai của bạn đang xử lý chúng tôi có thể đụ cho đến khi bình minh, khiến tình yêu cho đến khi anh ấy biến mất. Như thể phô trương bản chất Taboo của bài hát, sản xuất Hoàng tử chưa bao giờ nghe có vẻ trần trụi hơn. Chickas guitar nhịp điệu của anh ấy cạnh tranh với falsetto reo, varispeed của anh ấy để xem cái nào có thể đạt đỉnh ở một sân cao hơn. Tiếng snare thứ hai của mỗi bộ bốn bộ bị gián đoạn và đảo ngược như những nấc cụt. Các bộ tổng hợp có vẻ như cù tẻ cổ họng sâu. Ngay cả khi anh ấy thực sự đang hát trò chơi Fun Funk, thì thành phố khiêu dâm, thì vẫn rất tục tĩu. Henderson

32. Cybotron, Clear Clear (1983)

Không ít hơn phép baptism của Detroit Techno, những người sáng tạo Cybotron Juan Atkins và Rõ ràng của Richard Davis đã truyền vào âm thanh điện của Breaking Electro với một thành phố mô tô của sự u ám công nghiệp, gần gũi hơn với những ảnh hưởng của Teutonic Kraftwerkian so với sự hấp dẫn của Bambaata, hoặc Robie, hoặc Whodini. Sử dụng ít hơn 808 mánh khóe và những người không giải trình không có tiếng nói, rõ ràng, gợi ý về quy mô hoành tráng của nhân loại mối quan hệ gặp rắc rối với Frankenstein điện tử của nó nằm ở trung tâm của các bậc thầy về bóng tối của Dystopia. Henderson

31. Salt-N-Pepa, Hồi Push It (1986)

Bài hát này không phải là con bướm, mọi người. Nó có tất cả lực đẩy vùng chậu. Ý tôi là, nó prowls. Gonzalez

30. Thế giới ngầm, Cow Cowgirl (1993)

Thuốc. Tách rời. Phản địa đàng. Viên ngọc trong vương miện của Orwellian Dubnobasswithmyheadman, là một người chăn bò, mọi thứ, mọi thứ, thế giới ngầm của Thundering Electronica đã được đại diện như một lực lượng âm nhạc và chính trị. Bản anh hùng ca bẩn thỉu này ló ra bạn, to lớn và cao chót vót, giống như một số quái vật Frankenstein với đôi chân làm bằng funk kỹ thuật số, cánh tay được ghép lại với nhau từ những nhịp đập điện tử chuỗi, và một cái đầu bồng bềnh phun ra các lệnh độc ác. Nó Lang Lang Robot Maria. Không có gì trong câu chuyện không bao giờ. Người đàn ông ở lại Puft Marshmallow như được tưởng tượng bởi cơn thịnh nộ chống lại máy. Nó quyến rũ bạn với sự vô hình của nó và đe dọa xóa mắt bằng mắt hướng dẫn bằng laser. Một khi nó đã thực hiện với bạn và biến mất vào chân trời lung linh, bạn thực sự có thể cảm thấy bị nghiền nát, quá yếu để sạc sau khi nó với ngọn đuốc sáng. Gonzalez

29. Janet Jackson, Nguyên tắc niềm vui (1986)

Đó là bản năng của con người để tìm kiếm niềm vui và tránh nỗi đau, nhưng Freud lập luận rằng bản ngã trưởng thành không còn cho phép chính nó bị chi phối bởi nguyên tắc niềm vui, nhưng tuân theo nguyên tắc thực tế, đơn giản hơn, Defers nói. Janet Jackson chắc chắn đã theo mô hình này trong sự nghiệp âm nhạc của cô, trì hoãn sự hài lòng về tình dục của cô cho đến khi kết thúc hai album bom tấn đầu tiên của cô và không hoàn toàn gửi đến nó cho đến năm 1993 Jan Janet. Trong khi cô ấy nắm quyền cuộc sống chuyên nghiệp của mình trong bước đột phá năm 1986, Control, đĩa đơn cuối cùng của album, Nguyên tắc niềm vui Chỉ có niềm hạnh phúc bán thời gian. Được viết và sản xuất bởi người chơi keyboard Prince và Jam và Lewis Monte Moir, toàn bộ bài hát tương đương với một mối tình thoáng qua với một chuyến đi trong một chiếc limousine, trong khi synths va chạm như giảm xóc bị vỡ và tiếng guitar điện như cao su trên mặt đường. Janet (Vis-à-vis Moir) gọi taxi màu vàng lớn, một bài hát mà cô ấy sẽ gọi một cách trắng trợn hơn cho năm 1997 Clanking, rít lên, đập vỡ khu công nghiệp. Cinquemani

28. Donna Summer, “MacAurthur Park” (1978)

Donna Summer’s cover of Jimmy Webb’s “MacArthur Park” became the disco icon’s first #1 crossover hit in 1978. Much of the credit goes to Webb, whose nostalgic, ornate lyrics paint a picture as vivid and elaborate as “Strawberry Fields”: “Between the parted pages/We were pressed/In love’s hot, fevered iron/Like a striped pair of pants.” The gorgeous, understated string-and-vocal intro of Summer’s version—produced by Giorgio Moroder and Pete Bellotte, of course—is faithful to Webb’s poetry, at least in interpretation, before Moroder and Bellotte’s elaborate disco arrangement and Summer’s zealous vocals elevate the song to a whole new level of camp splendor: “Someone left the cake out in the rain/I don’t think that I can take it!/’Cause it took so long to bake it!/And I’ll never have that recipe again!/Oh, no!” While the more popular edit spares us Jay Graydon’s extended guitar solo (but also those glorious vocal echoes of the melody, not to mention the bridge), the full 17-minute “MacArthur Park Suite” includes the Summer/Moroder/Bellotte compositions “One of a Kind” and “Heaven Knows,” a duet with Brooklyn Dreams that went on to become a Top 5 hit in its own right, segued together in classic, over-the-top Moroder/Bellotte fashion. Cinquemani

27. New Order, “Blue Monday” (1983)

The fact that “Blue Monday” became a staple of the typically boneheaded electroclash DJ in the aughts is testament to its blatant appeal. “Blue Monday” funnels influences from just about every electronic dance record that led up to its 1983 release (including guidance from “Planet Rock” producer Arthur Baker), achieving timelessness via an obsessive knowledge of history. No wonder it’s the best selling 12” of all time. Juzwiak

26. Lil’ Louis, “French Kiss” (1987)

By the time of the 1987 release of “French Kiss,” Chicago’s Marvin Louis Burns (a.k.a. the Lil one) had been DJing for over 10 years. It’s safe to say that he knew just how masochistic a song choice “French Kiss” would be, as it threatened to bring any brave DJ’s set to a crash: “French Kiss” is a moaning, sex-as-house track that audaciously and amazingly slows down and then stops altogether. It builds again, chugging back to its initial speed until it fades brighter than ever in post-orgasmic glow. Juzwiak

25. Eurythmics, “Sweet Dreams (Are Made of This)” (1983)

There’s a reason Marilyn Manson and countless others have covered “Sweet Dreams (Are Made of This)”: Its dread is timeless. There’s no substitute for the original’s pounding inevitability, however, nor for the foreboding Annie Lennox, who seems to be delivering all of her lyrical warnings with the crooked smile of a knowing villainess. Her tales of yearning and worldly ills are punctuated with perhaps one of the most famous synth lines to come out of the ’80s: a gyrating, churning snake of broken electro-brass that, with its looping melody, seems to eternally spiral toward doom. Never have sweet dreams sounded so nightmarish. Kevin Liedel

24. Janet Jackson, “Rhythm Nation” (1989)

The sonic playroom that Jimmy Jam and Terry Lewis built for their pet wind-up pop star Janet Jackson and her do-over debut, Control, already sounded like the Minneapolis sound declaring war on quiet storm R&B. So it was almost a given that the junior high ethics lessons of the Rhythm Nation project ended up literalizing Jam-Lewis’s drum programming-as-armament. “We are a nation with no geographic boundaries,” Janet drones without a trace of humor, “pushing toward a world rid of color lines.” Get the point? Good, now let’s dance with nunchucks. “Rhythm Nation” snatches an indelible sample of Larry Graham’s “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)” bass licks, but shifts Sly Stone’s guarded political optimism into a direct attack on the 1980s’ culture of indifference. Janet’s interest in the state of the world only lasted for about half an LP side, but maybe that’s part of the statement. First beat justice into the system, then lean back and let the escapades begin. Henderson

23. Donna Summer, “Love to Love You Baby” (1975)

Cymbals brush against the back of her neck as she lifts her legs in the air. A kick drum works its way down her back, around and over to her stomach as her legs begin to part. Guided by liquefied bass riffs, her hands discard a pair of white panties. Her fingers tickle her tender nipples, dancing around the lower part of her breasts before making their way down to her abdomen toward the space between her legs. Steered by wispy synths, the fingers reach inside, spreading apart her seemingly infinite folds. The deeper they delve, the deeper the drum kicks. She works the area, nimbly and considerably, before climaxing to a stream of funky horns, pentatonic bass, horny strings and wah-wah guitar strokes. Her spent fingers withdraw to the sound of a piano, but she isn’t done yet—the kick drum resumes and the ritual begins again. Donna’s self-diddling may have only been a tongue-in-cheek recording session lark, but “Love to Love You Baby” has probably loosened up more orifices in the last 45 years than Bel Ami’s entire back catalog. Gonzalez

22. Zhané, Hồi Hey Mr. DJ (1993)

Sự hợp nhất của sản xuất Jack tập trung vào trung tâm với sự nhạy cảm của câu lạc bộ bị va chạm trang nghiêm thực tế đã chạy các bảng xếp hạng trong ba hoặc bốn năm đầu tiên của thập niên 90 (chính thức kết thúc khoảnh khắc mà TLC bị loại âm thanh). Danh sách phát được tiêu với những con tê giác đô thị như Soul II Soul Hồi Back Back to Life, Karn Karn White Hồi Lomic, Hồi và Mary J. Blige Hồi Hồi thực sự tình yêu. Tuy nhiên, không ai đóng đinh công thức khá giống như Zhané đã làm với người lấp đầy sàn xanh nửa đêm này. Như mẫu tự do từ Michael Wycoff, trong khi bạn nhìn lên bạn, gợi ý, sự hiện diện của Zhané và các chị em của họ trên các phát thanh nhạc pop đã đưa ra những bản phát sóng Pure Disco không thể phủ nhận. Không lãng phí thời gian để giải thích, Hey Hey Mr. Đủ lâu để bạn thở ra. Henderson

21. Michael Jackson, Hồi Billie Jean (1982)

Không bị nhầm lẫn với Tennis chuyên nghiệp của thập niên 70, Billie Jean King, nhân vật chính trong Michael Jackson, Colossal, Billie Jean, là một người tổng hợp của tất cả các nhóm người tuyên bố Michael và anh em của anh ta đã làm cha. Nhìn lại, nó dễ dàng nghi ngờ tính xác thực của những tuyên bố như vậy, nhưng ở đó, không có nghi ngờ gì về tác động của Bill Bill Jean, đối với sự nghiệp và âm nhạc của Michael. Bài hát thách thức thể loại, dance, pop, r & b, bằng cách thể hiện tất cả chúng với sự tinh tế đến nỗi nó khó có thể tưởng tượng được một thời gian khi bài hát không tồn tại. Nhịp điệu được đo lường, thậm chí hết sức chậm chạp, nhưng nó là bassline, với tốc độ gấp đôi, điều đó thúc đẩy bài hát. Được sản xuất hoàn hảo bởi Jackson và Quincy Jones, bản nhạc pha trộn các âm thanh tổng hợp hoàn toàn (các mẫu chuỗi bàn phím đa âm và bộ tổng hợp gió tương tự đặc trưng) với cách tiếp cận hữu cơ hơn của vũ trường (riff guitar giống như chic, bass sống). Sau đó, tất nhiên, có lời bài hát đường biên giới của Michael gợi lên một vụ kiện làm cha kéo dài thời gian của trận lụt Bibilical và tiên tri hóa sự sụp đổ của chính anh ta: lời nói dối trở thành sự thật. ” Cinquemani

20. Case Connie, "Get Get Down (1982)

Connie Case, Disco điện tử Uncassic, Get Get Down là về vấn đề không phải là Disco, vì Sylvester là người không phải là người đồng tính. Bất kể, nó là một trong số vô số bài hát mời đến, một số nhà proto cung cấp sự squelching trước axit và một bassline độc ​​đoán đi xuống xuống hạ xuống. Ca khúc này là một chuyến tham quan hiếm hoi vào vũ trường cho nhà sản xuất Noel Williams có trụ sở tại Miami, người đã tiếp tục sản xuất thêm vật liệu định hướng điện bass và Miami. Đủ công bằng, mặc dù có thể nhận được một hành động khó khăn. Juzwiak

19. Robin S., Hồi Show Me Love ”(1993)

Hiển thị tôi tình yêu, không chỉ là một trong những crossover lớn nhất của ngôi nhà của câu lạc bộ đầu năm 90, nó cũng là một trong những người cuối cùng. Ít nhất là Radio House đã đi ra ngoài với khuôn mặt của nó (nghĩa là, trước khi nó trở lại trong các giống Euro hơn). Hiển thị cho tôi tình yêu, là đại diện như bất kỳ bài hát nào của The House Nhà chưng cất Disco, Flamboyant, String-and-All khao khát một cú đập tối thiểu với bàn phím bộ xương thực hiện phần lớn sự hỗ trợ du dương, được định nghĩa bởi nhà sản xuất Thụy Điển Stonebridge Remix Remix. Không phải là cô Robin cần nó với những tiếng càu nhàu sau Labelle (và, thực sự, hậu Peniston) của cô ấy. Sự tận tâm của cô đối với nhạc khiêu vũ chạy sâu vào cô, cô sẵn sàng trở nên xấu xí vì điều đó. Juzwiak

18. M/A/R/R/S, Bơm lên khối lượng (1987)

M/A/R/R/S của Bơm lên âm lượng, đã lấy mẫu tiêu đề của nó từ một bài hát Erik B. & Rakim, là một cột mốc quan trọng trong thế giới văn hóa lấy mẫu, khắt khe của các yếu tố tội phạm Dàn nhạc của Dàn nhạc Put The Put The Pel Để kỷ lục, hồ sơ linh hồn cũ (vài năm trước khi Josh Davis đánh vào thùng rác), và Ofra Haza của Im Im Nin Alu, (rất lâu trước khi Kanye chơi 45 của mình với tốc độ sai), chỉ kể tên một vài người. Sự hợp tác một lần giữa nhãn hiệu độc lập của U.K. Được sản xuất bởi John Fowder nổi tiếng (người sẽ tiếp tục điều khiển cỗ máy đáng ghét của Nine inch Nails), đã bơm lên khối lượng vượt qua nhiều thể loại trong vô số hóa thân của nó, đứng đầu các bảng xếp hạng khiêu vũ ở cả hai bên Đại Tây Dương, và cuối cùng trở thành Cả hai bản hit Hip-Hop hàng đầu và chủ yếu phát thanh nhảy pop ở Hoa Kỳ, biến đổi cả hai thể loại với sự sụt giảm của một cây kim. Cinquemani

17. Madonna, vào Groove, (1985)

Trong bài đánh giá của tôi về những lời thú tội trên sàn nhảy, tôi đã phân biệt giữa các bài hát khiêu vũ nổi tiếng khác của Groove vào Groove và các điệu nhảy nổi tiếng khác của Madonna, cụ thể là âm nhạc meta Madonna đặt ra điệu nhảy như một địa điểm cho sự thay đổi xã hội, hoặc, ít nhất, là một lối thoát khỏi thực tế ảm đạm đang chờ đợi ở rìa của sàn nhảy. Nhưng với nhóm Into Into the Groove, cô ấy không có đầu óc đơn độc: đó là tình yêu mà cô ấy đang tìm kiếm, không chỉ là một đối tác khiêu vũ. Trong đĩa đơn đầu tiên của cô ấy, mọi người, cô ấy đã vẫy gọi cậu bé ngồi bên lề để đến với cô ấy nhưng chỉ dừng lại khi mời anh ấy chạm vào cơ thể cô ấy. Thật khó để tưởng tượng người phụ nữ nổi tiếng nhất thế giới nhảy múa một mình trong phòng ngủ vào ban đêm, khóa cửa nên không ai khác có thể nhìn thấy (khi cô ấy hát ở đây), nhưng bạn có thể giúp đỡ nhưng tin cô ấy. Bài hát và màn trình diễn của Madonna, rất hay. Âm nhạc có thể là một sự mặc khải, thực sự. Cinquemani

16. Clivillés & Cole, Hồi Một tình yêu sâu sắc hơn (1991)

Ngay sau khi Robert Clivillés và David Cole thành lập trang phục prefab của họ , họ đã giúp tiếp thêm sinh lực cho sự nghiệp của Aretha Franklin trong suốt bốn phút rưỡi với một bản cover của chính họ một tình yêu sâu sắc hơn. Bản tái hiện Act-Act lớn của Aretha, có người hâm mộ, nhưng đó không phải là thỏa thuận thực sự. Vì vậy, bạn phải chuyển sang bản gốc, có Deborah Cooper. Cựu thủ lĩnh thay đổi đưa bài hát đến nhà thờ trên câu lạc bộ hỗn hợp nhưng đưa nó lên sàn nhảy trên hỗn hợp ngầm, nơi có phần lớn tiếng bíp, vết trầy xước và sừng nhưng dám đặt cơ quan của nhà thờ trên nền tảng bình đẳng với Cooper. Giọng hát của người phụ nữ đi theo một số hướng cực kỳ khốc liệt trên câu lạc bộ 12 phút (nó rất cao và những người có hồn đã hiểu được giọng nói của Martha Wash, chỉ có sự tin tưởng của bài hát), nhưng sự pha trộn dưới lòng đất cô đọng gợi lên Chiến tranh thịnh hành. Ở đây, một loạt các tiếng bíp tổng hợp tấn công bài hát cho đến cuối cùng, đe dọa sẽ vắt kiệt linh hồn của nó, nhưng Cooper đã phá vỡ nỗi sợ hãi của chúng ta với một loạt các cuộc chiến đáng sợ la-da-da-da-da-da-da-da-da, xua đuổi tiếng ồn trong khi Một vành đai jomanda được lấy mẫu, tôi cần một nhịp điệu. Nhịp điệu thực sự, nghĩa là, và phần còn lại của bài hát cho phép điều ước đó. Gonzalez

15. Rob Base & DJ E-Z Rock, Mạnh Nó mất hai (

Mặc dù không đủ nhanh hay đập mạnh để trở thành nhạc nhà về mặt kỹ thuật, nhưng năm 1988, người ta đã mất hai, dù sao cũng là chìa khóa trong việc hình thành hiện tượng lai của nhà rap vào cuối thập niên 80 và đầu thập niên 90 được gọi là Hip-House. Phấn nó lên đến đường đua xáo trộn, nhịp điệu đẩy, cũng như trung tâm âm thanh của nó: The Whoo WHOO! Ừ!" Mẫu được lặp lại trong suốt, một sự kết hợp của hai lần xen kẽ không theo trình tự trước đó từ Lyn Collins Hồi Horny Hồi Think (về nó). Đến lượt mình, mẫu đó đã tăng tốc và lặp đi lặp lại trong suốt thời gian của Hip-House (đáng chú ý nhất là trong thể loại Hồi giáo Anthem Hồi Yo Yo Get Funky của Chicago, Fast Eddie). Tôi muốn rock ngay bây giờ, anh ấy đã thông báo về Rob cơ sở khi bắt đầu, nó mất hai. Hóa ra anh ta chỉ có một mình. Juzwiak

14. Loleatta Holloway, cảm giác tình yêu "(1980)

Giọng nói được đào tạo phúc âm của Loleatta Holloway, không chỉ lớn để đại diện cho Disco và Salsoul (nhãn hiệu cai trị quyết liệt của những năm vũ trường và boogie mà cô gọi là nhà từ hồi78-Muff84), nhưng toàn bộ Diva-Dom. Giọng hát của Holloway từ cảm giác tình yêu của năm 1980, trong đó có rất nhiều âm thanh lặp đi lặp lại đến nỗi hầu như không thể chọn hợp xướng nếu tên của bài hát không chỉ cho bạn, đã được lấy mẫu liên tục Nó sinh ra, có lẽ nổi tiếng nhất và ít được hiểu nhất, trong bài hát nhầm lẫn của Italo House năm 1989, Ride Ride On Time By Box Box. Đó là cho đến khi Marky Mark sử dụng một mẫu cảm giác tình yêu của người Hồi giáo cho bản hit năm 1991 của anh ấy, Good Good Rung mà Holloway nhận được tín dụng trên giấy để tái sử dụng tiếng khóc của cô ấy (cô ấy thậm chí còn xuất hiện trong video). Đến lúc đó, nó đã quá hạn lâu. Juzwiak

13. Robyn, "Nhảy múa trên chính tôi (2010)

Rất ít nghệ sĩ có nguy cơ bị Robyn cảm xúc trần trụi, và với việc nhảy múa trên chính tôi, cô ấy tiết lộ những điều tuyệt vời đối với cô ấy được trao quyền nhiều hơn với mỗi nhịp tim. Ngày xửa ngày xưa, cô rời xa anh, chấp nhận một trái tim tan vỡ vì ở lại sẽ bị tổn thương vô cùng nhiều hơn. Bây giờ anh ấy với một người khác. Cô ấy vẫn cô đơn. Trong câu lạc bộ, ở góc ở đâu đó, cơ thể cô, giống như tâm trí cô, quay vòng trong vòng tròn. Một cái gì đó về những nhịp đập nảy, cách họ bắn từ loa và ricochet xung quanh cô ấy như những chùm ánh sáng, cộng hưởng với cảm giác khao khát, nghi ngờ, hối tiếc của cô ấy. Đối với hầu hết, câu lạc bộ là một đấu trường để trốn thoát. Đối với Robyn, nó là một nơi dành cho nội tâm đau lòng. Gonzalez

12. Taana Gardner, Heart Heartbeat (1981)

Một yêu thích thú cưng của Paradise Garage DJ/Người sáng lập Larry Levan, người được cho là đã đưa bài hát này vào kinh điển chống lại thị hiếu của câu lạc bộ của anh ta bằng cách quay nó liên tục cho đến khi họ khóc . . Jam thể hiện độ bền không được thừa nhận, cuối cùng trở thành đĩa đơn bán chạy nhất của nhãn hiệu. Cardio-Kick-Bow-bowm mở đầu, những bức vẽ nguệch ngoạc trên mỗi bàn phím của bạn, bạn làm tôi cảm thấy, sản xuất bồn rửa nhà bếp mở, máy bay, sản xuất bồn rửa nhà bếp mở. Nhịp tim của người Viking là nghiên cứu trường hợp của S.O.S. Nguyên tắc: Hãy dành thời gian của bạn, làm đúng. Henderson

11. Chaka Khan, Hồi tôi là một người phụ nữ (1979)

Nickolas Ashford và Valerie Simpson, hợp tác sáng tác bài hát bao gồm một số âm nhạc tuyệt đẹp nhất trong R & B hiện đại, nhưng họ không kém phần tài năng như nhà sản xuất hay ca sĩ. Sản phẩm sấm sét của họ trên trang bìa của Diana Ross, của Ain Ain No Mountain High đủ, rất sâu sắc và cam kết để biến một tình yêu Gaye-Terrell thành nhạc pop tương đương với Wagner tựa der Ring des Nibelungen. Và Nick sườn tăng vọt falsetto trên mạng tìm thấy một phương pháp chữa bệnh thực tế là nhào lộn. Nhưng họ không hát hay sản xuất những gì được cho là khoảnh khắc đẹp nhất của họ. Chaka Khan's I I Iver Every Woman. nhưng với nhiều mông hơn). Nhưng, với lời xin lỗi đến cả hai, đây là chiến thắng của Ashford và Simpson. Những giai điệu của họ vừa quen thuộc vừa không thể đoán trước được, và những thay đổi quan trọng về khí hậu trong quá trình từ chối là làm sạch linh hồn. Các điều chỉnh tuyệt vời không phải là rất phổ biến trong nhạc khiêu vũ đến nỗi chúng ta có thể để chúng trôi qua, vì vậy khi Chaka đạt đến quá trình chuyển đổi, mọi người hú lên. Henderson

10. Crystal Waters, Người phụ nữ Gypsy (cô ấy vô gia cư) (1991)

Crystal Waters, Ngôi nhà dày đặc của Anthem lấy dùi cui của ý thức xã hội từ những người như máy. Và cũng giống như ở đó, nhưng vì ân sủng của Thiên Chúa, tôi đã làm rõ điểm cay nồng của nó thông qua sự châm biếm âm nhạc của nó, người phụ nữ Gypsy (cô ấy là người vô gia cư), đặt chân dung về một người phụ nữ túi trang trí khó hiểu, háo hức cầu xin trên các góc phố đến tầng hầm của các chàng trai một cách tàn nhẫn. Khi nhân vật chính của Crystal, đứng đó, hát vì tiền, cô ấy đã gần như bị chôn vùi trong tiếng kêu lầm của cô ấy, bày tỏ sự thật đau lòng rằng hoàn cảnh của người vô gia cư thường rơi vào đôi tai hoàn toàn khiếm thính (đôi khi vang lên). Thông điệp làm se do Waters Waters được gửi đến một khách hàng câu lạc bộ đã trở nên quá bệnh hoạn khi đổ mồ hôi, dồn một kiểu dệt, hoặc cho phép bản thân trở nên xấu xí để thực sự đặt chân trên bất kỳ sàn nhảy nào không có hình dạng thời trang. Do đó, bức chân dung có ý thức giai cấp của Waters về sự thờ ơ kinh tế đóng vai trò là một phép ẩn dụ làm việc, đánh đồng, xin lỗi, tôi không có bất kỳ thay đổi nào đối với tôi với những kẻ khốn kiếp, người đã chọn cảnh quay trong việc nếm thử cầu vồng. Henderson

9. Shannon, "Hãy để âm nhạc chơi" (1983)

Bên cạnh kỳ nghỉ Madonna, ngày lễ, ca sĩ nhạc jazz sinh ra của D.C. Brenda Shannon Greene, Let The Music Play, đã giúp xác định lại âm nhạc khiêu vũ trong những năm đầu tiên của Disco, tạo nên sân khấu cho thể loại gặp khó khăn trong thập kỷ tới. Các nhà sản xuất Mark Liggett và Chris Barbosa, được coi là một trong những người cha sáng lập của Latin Freestyle, đã hợp nhất âm thanh điện âm sau đó với nhịp điệu Latin, vô tình tạo ra bài hát tự do đầu tiên trên thế giới. Không thể nhầm lẫn là một sáng tạo của thập niên 80, bản nhạc này đã trốn tránh một con dấu thời gian chính xác nhờ những nhịp đập của Staccato tương lai, sản xuất chu đáo và thực tế là nó đã trở thành một mặt hàng chủ lực của Pop Radio trong hơn một thập kỷ. Bài hát có sức mạnh lâu dài hơn hầu hết vô số copycats của nó, bao gồm cả Shannon, riêng của Give Me Me Tonight. Cinquemani

8. Thelma Houston, Hồi Don rời tôi theo cách này (1976)

Ý tưởng ghi lại một phiên bản vũ trường của Harold Melvin & The Blue Notes's Don't rời tôi theo cách này lần đầu tiên xảy ra với nhà sản xuất Hal Davis sau khi anh ấy nghe bài hát trong một bữa tiệc khi đang sản xuất album thứ ba của ca sĩ Thelma Houston, bất kỳ Cách bạn thích nó. Từ những bản phúc âm đầu tiên của ca sĩ đến câu thơ đầu tiên tuyệt vọng Và hợp xướng bừa bãi, bài hát vượt qua các chuỗi sàn nhảy nguyên mẫu và nhịp đập xung quanh để trở thành một trong những bài hát vũ trường có hồn nhất từ ​​trước đến nay. Sau khi đặt khuôn mặt mạnh mẽ và nhảy múa suốt đêm như những bài hát như tôi sẽ sống sót, thì Don Don rời đi theo cách này, đó là lời cầu xin tinh tế, đau đớn mà bạn lắng nghe trên đường về nhà. Cinquemani

7. Michael Jackson, “Don’t Stop ‘Til You Get Enough” (1979)

“Don’t Stop ‘Til You Get Enough” launches Off the Wall with a slyly un-declarative feint, playing right into Jackson’s well-documented sensitivity transitioning out of being the clarion-voiced dynamo who fronted his brothers’ Motown quintet: “You know I was…I was wondering, you know, if…if you could keep on…” The false modesty doesn’t last long, though, with Jackson’s fumbling flirtation giving way to the most luxe disco that money can buy: sweeping string arrangements, densely textured interlacing percussion, and twice as many horns as the River City Boys’ Band, all in service of making a song that, aside from its frenzied bridge, makes just two chords sound like the disco equivalent of Shostakovich. While it’s impossible to listen to Jackson’s music without also acknowledging the fall from innocence his reputation now embodies, to hear him match up against this record’s all-stops-out production with nothing more than a ghostly falsetto is to remember the alchemy that kept the world happily distracted. Henderson

6. Machine, “There But for the Grace of God Go I” (1979)

Story songs are rare in disco. At best there are tracks like Patrick Juvet’s subtly heartbreaking “I Love America,” where most of the backstory is supplied by the listener. Not so with half-hit wonder Machine’s “There But for the Grace of God Go I,” a dark and pessimistic parable that spits social criticism along with its bitter rhythm-guitar riffs and maddening “doo-doo-doo” refrains to the delight of closet dance freak rockists everywhere. So the song goes, a pair of overbearing Latino parents try to protect their bouncing baby girl from the real world, moving away from the Bronx to a place where they can raise her, an environment with “no blacks, no Jews, and no gays.” And no heritage. By denying their daughter her rightful knowledge of her own roots (denying her of even rock ‘n’ roll records), Carlos and Carmen Vidal eventually find themselves the parents of a dissolute, neurotic, fat little teenage runaway. Almost too fast and chaotic to actually dance to, and practically dripping with ugly synthesizer lines that sound more like abortions, the track is dance culture’s Scared Straight. And as far as hopelessly nihilistic conclusions go, few songs can match the grim wit of Machine’s isolationist punchline: “Too much love is worse than none at all.” Henderson

5. Diana Ross, “Love Hangover” (1976)

Disco legend has it that producer Hal Davis and Motown founder Berry Gordy convinced a reluctant Diana Ross to record this dance classic with the help of some disco lighting and a few shots of Remy Martin. Heavy on gushy metaphors and, perhaps by default, light on the kind of disco-diva belting that had become par for the course (Ross’s uncharacteristically under-cranked, low-diaphragmed vocal says there really are some valleys low enough), “Love Hangover” was Ross and Davis’s own “Love to Love You Baby,” a breathy, lust-filled, sweat-inducing ode to disco gluttony and the dance floor orgasm: Those first few languorous, descending electric piano chords perfectly captured the sexy, desperate, cocaine-fueled listlessness of the era. Cinquemani

4. Cerrone, “Supernature” (1977)

Giorgio Moroder and Pete Bellotte get all the credit for ensuring dance music’s future beyond standard, orchestrated disco, but the same year that they dropped “I Feel Love,” a French producer was just as forward-thinking. Cerrone harnessed a drum machine (a rarity back then), dueling basslines (one of which bobbed up and down octaves, much like Moroder’s), and a lecherous guitar to craft his own version of Eurodisco. As futuristic as the music is, the lyrical content—a revenge tale pitting Mother Nature against the men who tried to change her (via genetic modification)—was even more so, and resounds today. It would be years before the influence of “Supernature” would truly be felt (from 1981 to 1983, or the period regarded as Italo disco’s creative heyday), but you can’t blame people for not wanting to even attempt this for a while. Juzwiak

3. Deee-Lite, “Groove Is in the Heart” (1990)

When Deee-Lite blasted into the musicsphere in the early ’90s, many mistook the group for nostalgia-wanking clowns trying to revitalize the passive flower-children ethos and artifice their parents embraced in the ’60s and ’70s (“We are trying to make contact,” they’d go on to say on their ironic “I.F.O.” a couple of years later, cheekily toying with those presumptions), which trivialized the truly forward-thinking momentum of their music. Straight from the halls of New York City’s bygone super clubs to God’s ears, Deee-Lite’s bohemian philosophy imagined the denizens of the global village collectively bopping their heads to a kaleidoscopic fusion of funkadelic house beats, giddy samples, back-to-nature rhythms, and a stream of coy lyrics with big-themed ambitions. This was dance music in a language everyone could understand. No song delivered the group’s world-conscious Word as colorfully and open-heartedly as “Groove Is in the Heart,” which flew up the Billboard charts while goosing stuffed shirts. For as long as Deee-Lite was popular, even if it was only for 15 minutes, the world (and music scene) seemed like a much happier place. Gonzalez

2. Madonna, Vogue Vogue (1990)

Sàn nhảy Madonna Madonna, giống như đấu trường của The Drag Ball, có bầu không khí của một sự kiện thể thao, một nơi hiệp thông xã hội. Sự hồi hộp của việc voguing cho các nữ hoàng đen và Latino đang cố gắng vượt qua cho màu trắng. Madonna hiểu bệnh lý chủng tộc của người Viking này, để trích dẫn nhà phê bình Armond White, như một hình thức của việc đi với sự tuân thủ của dòng chảy. Vẻ đẹp của bạn là nơi bạn tìm thấy nó, cô ấy hát, chống lại sự giả tưởng tự từ chối khuyến khích; Bài hát có thể là tiền thân của Celeda trong thời gian là chính mình. Madonna có thể tìm thấy vẻ đẹp trong các biểu tượng Hollywood trong quá khứ, nhưng cô hiểu cảm giác phủ định của họ thường được ngụy trang. Nhà sản xuất Shep Pettibone, một cậu bé da trắng có nguồn gốc nằm trong nhà và hip-hop, giúp nhấn mạnh ý tưởng này với những nhịp đập nhà của mình, nhận ra sự lo lắng cho sự giả tạo của nó. Đây là một điểm trắng không nhận được khi anh ta chỉ trích ca sĩ nhạc trắng cố định màu trắng, quên rằng Rita Hayworth sinh ra Margarita Carmen Cansino và tình trạng siêu sao của cô ở Hollywood trắng đã được khẳng định dựa trên khả năng của cô. Gonzalez

1. Donna Summer, "Tôi cảm thấy tình yêu" (1977)

Trong phần trình tự ban đầu của nó trên Donna Summer's Unspeaking không thể nói, tôi nhớ ngày hôm qua, tôi cảm thấy tình yêu, chỉ là một câu chuyện nhưng câu chuyện của chúng tôi không kết thúc ở đây Bo-do-dee-oh của ca khúc tiêu đề gật đầu đến những năm 1940 và kết thúc với vòng xoáy của Sôcôla/Vanilla '70 của Lady Black Lady và chúng ta không thể ngồi xuống. Nhưng phụ lục không được nói đến cho yêu cầu bài hát sau đó cũng có thể là Better Better Buckle Up, bởi vì Giorgio Moroder và Pete Bellotte, album Vistavision Vistavision Coda một mình đưa nhạc pop vào thời đại điện tử. Sẽ không còn tổng hợp vẫn là tài sản trí tuệ của các chuyên viên máy tính-cổ điển. Và, tách biệt với bối cảnh LP của nó và được coi là một đĩa đơn top 10, nó không chỉ gợi ý về tương lai, đó là tương lai. COOING COUPLETS CỦA MỘT MỘT SỐNG XÁC NHẬN, Summer Breathy Giọng hát vẫn còn sống trong tầng bình lưu của cảm giác sản xuất của chính cô. Trong các ghi chú lót của mình với phần tổng hợp của Rhino, The Disco năm, Ken Barnes đáng nhớ, cô ấy đã may mắn cảm thấy một vụ va chạm thiên thạch, nhưng anh ấy đã bỏ lỡ giọng hát ủng hộ gần như hoạt động của cô ấy trên đoạn điệp khúc. Những cơn mưa rào mơ mộng của Moroder về những rung cảm tốt đẹp, những nhịp đập metronomic không được đánh giá cao của anh ấy, và những nhịp đập bass của Octave bất tử đều khẳng định rằng, vâng, bạn thực sự có thể thực sự là những vũ trụ thay thế cảm xúc phong phú từ mã nhị phân và silicon. Các nghệ sĩ như Kraftwerk đã làm việc đồng thời lãnh thổ tương tự, nhưng chủ nghĩa thử nghiệm điện tử của họ là chủ nghĩa học thuật thứ nhất, âm nhạc thứ hai. Khi hợp nhất nhạc khiêu vũ có tâm hồn với các bộ lọc, núm và lập trình trình tự, Moroder vô tình cung cấp nhạc khiêu vũ với đường sắt dưới lòng đất cá nhân của riêng mình, đã trở thành sự cứu rỗi duy nhất của nó sau khi tiêu diệt vũ trường được công bố rộng rãi vào năm 1979 (với bản thu âm của Comiskey Park Disco phục vụ như là đêm của những con dao dài). Trong khi các bản thu âm của những người da trắng-trắng, đó là người dậm chân trên những bản ghi của Bee Gees và Village People, thì những mảnh vỡ của nhạc khiêu vũ đã tăng lên vô số thể loại thích hợp Bốn thập kỷ vẫn chưa bị ảnh hưởng bởi di sản được ánh sáng neon của tôi cảm thấy tình yêu. Henderson

Những bài hát khiêu vũ phổ biến nhất hiện nay là gì?

Bài hát nào khiến bạn muốn đứng dậy và nhảy?

Ai có những bản nhạc nhảy số 1 nhất?